Pedro Soler

GUITARRA FLAMENCA

"Los dedos de Pedro Soler son los cinco sentidos de la guitarra
La guitarra en sus manos, mira, oye, siente y habla". *

(Miguel Angel ASTURIAS, Premio Nobel de literatura 1967)


© Jacky Lepage

BIOGRAPHIE

Très tôt, Pierre Alfred Genard dit Pedro Soler (° le 8 juin 1938) a été adopté par les maîtres de ‘l’Age d’or’ du flamenco. Arrivé à Madrid le jour de la mort de Manuel Vallejo il a connu au fameux ‘Villa Rosa’ d’autrefois, Plaza de Santa Ana, les représentants encore nombreux de cette époque. Il a eu l’occasion d’accompagner Pericón de Cadiz, Rafael Romero, Bernardo de los Lobitos, d’entendre et voir jouer Perico del Lunar le père et le légendaire Manolo de Huelva, entre autres.

Il avait fait auparavant ses premières armes avec le granaino José Maria Rodriguez, dans le quartier espagnol de Toulouse devenue à l’époque la capitale de l’Espagne républicaine en exil. C’est Jacinto Almadén (° 1899), qui attiré par la sonorité de son jeu, décide de le former pour en faire son guitariste. Il le prit à ses côtés comme second guitariste dans toutes ses tournées en Espagne et en Europe. Pepe de Badajóz, un des très rares guitaristes à avoir accompagné régulièrement l’illustre Don Antonio Chacón, était le premier guitariste de la compagnie.

N’intervenant, au début que pour l’accompagnement de danse, Pedro Soler recueillit l’enseignement de Badajóz sans jamais prendre un ‘cours’. Le maître lui donnait des conseils. Le reste était ‘entendre et voir’, et chercher à comprendre car les seules indications étaient à peu près: ‘C’est ça, ce n’est pas ça’. La seule rémunération pour les conseils de Pepe était une boite d’énormes cigares Romeo y Julieta de temps en temps. Une grande amitié liait le maître au disciple, pourtant Pepe lui donna l’Alternative (*) de cruelle façon en 1967 lors d’un récital de Almadén à Madrid au Teatro de la Comedia. Pepe accompagnait la première partie, les chants les plus traditionnels du ‘jondo’, et Pedro Soler la seconde, les chants du ‘Levant’, plus libres qui étaient la grande spécialité de Almadèn ; lorsque le dernier chant de la première partie, la Seguiriya, fut annoncé, Pepe rangea sa guitare et partit malgré les plaintes de Almadèn, obligeant Pedro Soler à se présenter à Madrid devant un théâtre où toute l’afición et tous les artistes étaient réunis, en accompagnant un chant qu’il connaissait bien, sans plus. Le début fut difficile, voire houleux, mais le public adopta vite sa guitare et il sortit avec les deux oreilles (les siennes en tout cas !). La presse fit écho : ‘Les maîtres Pepe de Badajóz et Pedro Soler remplirent leur rôle d’accompagnateur avec une grande efficacité.’

A la fin de sa vie, Badajóz fit appeler Pedro Soler et le reçut chez lui pour lui léguer une sorte d’héritage musical ajoutant même : ‘Tu pourras dire que c’est de toi, je ne l’ai jamais enregistré.’

Pedro Soler accompagna Almadén jusqu’à sa mort. Il a joué pendant de nombreuses années avec pour Pepe de la Matrona dont l’enseignement fut déterminant pour lui. Il fut également longtemps aux côtés de Juan Varea. Enrique Morente et actuellement Inès Bacàn. Ce sont les chanteurs qu’il accompagnait le plus souvent. Pour la danse il a accompagné occasionnellement diverses danseuses comme Carmen Amaya, La Chunga. C’est essentiellement de ‘La Joselito’ qu’il tient son école. ‘La Joselito’ a dansé en public dès l’âge de six ans aux côtés des grands mythes tels Juana ‘La Macarrona’, ‘La Argentina’.

Ne faisant pas de la recherche du "nouveau" une priorité dans son travail, il est pourtant ouvert à toutes les musiques. Il a joué longtemps aux côtés d’Atahualpa Yupanqui dont l’exigence musicale et la rigueur artistique furent un modèle permanent. Il joue la rumba catalane avec des gitans de "San Jaume". Il a enregistré avec le guitariste brésilien Nonato Luiz (LP "Diálogo" (CBS), 1982), avec la chanteuse Maria Bethania, travaillé des textes et chants de Federico Garcia Lorca avec Germaine Montero, plus récemment des poèmes de Antonio Machado avec Maria Casarès, et il considère cette dernière rencontre comme une étape importante dans sa ‘descente aux enfers’ du chant profond, le "cante jondo".


Beñat Achiary & Pedro Soler © Jacky Lepage

En parallèle de nombreuses rencontres l’ont amené à faire dialoguer le flamenco et les univers musicaux d’artistes tels que Renaud Garcia-Fons, Raúl Barboza, Ravi Prasad, Michel Doneda, Georges Kazazian (Egyptien, joueur de l’oud), Ramón Lopez et le chanteur basque Beñat Achiary, en duo et pour la création de son hommage à Federico Garcia Lorca, ‘Un poète à New York’.

Lorsqu’il représentait la guitare flamenca au Théâtre des Nations, Jean-Louis Barrault dit de lui : "De toutes les guitares qui chantent et font danser dans le monde il en est une particulièrement pure, c’est celle de Pedro Soler."

Miguel Angel Asturias, prix Nobel de Littérature, écrivait : "Les doigts de Pedro Soler sont les cinq sens de la guitare, dans ses mains elle regarde, écoute, chante, souffre et parle."
(*) "Les doigts de Pedro Soler sont les cinq sens de la guitare. La guitare, en ses mains, regarde, écoute, chante, ressent et parle".


© Jacky Lepage

An Interview with Pedro Soler
By Bryce Dessner

In February 2006, after finishing a tour of Europe, I sat down with flamenco guitarist Pedro Soler at his home in the Catalan region of Southern France (Banyuls-sur-Mer is a small seaside village minutes from Spain) and interviewed him about his music and his life. With a career that spans six decades, over fifty recordings and an acclaimed recent solo album (Luna Negra on the Nordsud label), as well as a recent tour of India, Pedro’s experiences and music could be considered rare for any musician, and even more so for a guitarist. He has witnessed the growth of flamenco from a localized art form to its current global popularity; he has seen its masters, once impoverished, now celebrated on the world’s most important stages. Our conversation spanned topics ranging from the relationship between classical and flamenco guitar, to the political climate of his upbringing amongst Spanish refugees in the French city of Toulouse. We touched on his experiences in Brazil in the 1960s, his close relationship with Argentinian guitarist Atahualpa Yupanqui, as well as his current and future musical projects. Here are some excerpts from our conversation (translated from the French by the author), allowing insight into the career of a European master whose music and life are profiled here for the first time in an English publication.

Could you speak a bit about your education in flamenco? With the classical guitar we have a long tradition of pedagogy in which the relationship between teacher and student is essential. I imagine with flamenco you are much more self-taught.

For flamenco it was very different forty years ago – during the time when I began – from now. It was even very different for then classical guitar I am not sure how it was in the U.S., but here in France there were no guitar teachers in the conservatories. That began much later, so learning classical guitar was quite difficult. As far as flamenco, I was living in Toulouse, which was very much a Spanish city in France, and I could not find a guitarist to teach me. I spent two or three years crying out of sadness because I could not learn (laughs). I played violin, but I did not want to play violin, I wanted to play guitar. Finally, I found some different teachers, Manouches (French Gypsies) who used steel strings which made my fingers bleed.

So they weren’t exactly flamenco guitarists …

Not flamenco and not classical, they played Manouche. They taught me chords, inversions … it was interesting but it was still not what I was looking for. For one year I worked with José Maria Rodriguez, a musician from Granada. He did not want to teach me flamenco, only classical. He played flamenco and he played classical as well. As a guitarist, one’s first teacher is so important, and Rodriguez was very good. During the first two years, however, he absolutely would not teach me flamenco. Still; I learned the important things, such as how to move your fingers on the guitar. Because I wanted to play flamenco, everyday I would play for him things I had learned by ear – a Solea for example – which was terrible because I had no idea what it really was. I was not in Andalucia (the region in Spain where flamenco is most abundant), and had no connection to it. But after two years he had had enough, and finally told me, “good, we are going to work on flamenco”.

So for the first two years you had a classical education?

Yes, I could not do it any other way, but it was very good. Rodriguez knew a dancer and a singer from Spain who were Republican refugees from the Spanish Civil War. We put together a small company and did tours in the region. There are two stages of apprenticeship in flamenco. First, you must learn the classical technique for playing the instrument. Then you can go on to the special flamenco techniques, such as the use of the thumb and rasguedado. Now we can learn these things in masterclasses, but back then it was different.
To learn flamenco, one had to go to Spain. After I had begun to learn enough to accompany, I was engaged as second guitarist in a company with a very good first guitarist, Pepe de Badajoz, who was one of the great masters. I worked for ten years in this company, and Pepe was really my teacher during that time. So you see, I really had studied very little. At one point he gave me some informal lessons in his house in Madrid and we’ve became very close friends. I would say to him, “Oh Pepe, that is good, how do you do that?” It was by watching and listening that I learned.

You studied with flamenco guitarists, but also with singers and dancers?

With dancers at first. During the summers we played outdoors and there was no amplification system. We needed four guitarists behind them to make enough sound so the dancers could hear. I began accompanying singers with Niñoe del Almaden, who introduced me to Badajoz, took me into his company. Little by little I began to accompany him solo. In flamenco music the accompaniment of song and dance is really the basis of everything. A guitarist who plays alone very well, but who never accompanies would not be easily accepted in the flamenco community.

Could you speak a little about the artistic and political climate in Toulouse during your time there?

During the 1950s the Republican refugees had the impression that they could, in exile, have a political effect in Spain. They were very active, and they even ran a journal called El Socialista. Once they began to see that Franco (leader of the coup) would stay, the children began to integrate more into French culture. Many of them would stay in France. My sister’s father-in-law was an architect, and one of the great figures of the Republic Galan, a dancer that I accompanied, was the daughter of General Galan. They were all involved in the conflict. It was really a very intense political climate.

But also sad at the same time?

Yes, of course. However it was not a desperate kind of sadness. Now, for example, in much of the Arab community in France, they do not have much hope. They can’t go back to their own countries, and here they are not very well accepted. You see, the Arabs here in France, the Algerians and the Moroccans, they are sad, but it is a true sadness … a desperate sadness. The Republicans during the time I was growing up, they banded together to take action – they fought.

You have a Spanish heritage but you are really more French than Spanish. Was this difficult for you, with the regard to the flamenco culture and the impression that flamenco comes from Spain?

In France yes, but not in Spain. In Spain I never had any problems. You see, Soler was my mother’s name. I adopted it because my father’s name, Genard, was French and not so good for flamenco. I speak fluent Spanish, so people in Spain would rarely ask me about my nationality. Here in France when I would be presented I would not usually say that I was French in the beginning. Now everyone knows I am French, and in Spain it is seen as a good thing, foreign flamenco as a positive addition to the musical culture. I still see many articles that refer to me as an “Andalucian Spanish guitarist”, but I do not always cry out, “Hold on, I am French”.


avec Pepe de la Matrona © Pedro Soler

Early in your career you began to perform with some of the most famous singers and dancers in Spain. It was also early with regards to the great popularity flamenco has found in the last twenty years. Can you speak a little about this, for example the concerts you did with Pepe de la Matrona?

During this period, flamenco was not well known outside of Spain. In a way, this helped me; I was a pioneer in a sense. It helped me to get work as a guitarist. If not for that, I might have been an architect! And for the flamencos, they did not have any money, it was quite miserable. The greats, when they would tour, they would be respected and admired, but when they would go back to their homes, they were not well-off. And even more, they could never save money. Now they know, they are educated, the musicians have unions and bank accounts. Back then though, the flamencos, the great musicians that I knew, were wild geniuses but quite unorganized and uniformed. So it was a very special world, really fascinating. The question you asked, was about concerts with them?


avec La Joselito © Pedro Soler

Yes, the concerts. For example, where would you play?

With Almaden, for instance, we would tour. We played for audiences in small villages, and later in theaters. I remember one concert with Almaden at the Teatro de la Comedia in Madrid. It had been a long time since Almaden had sung there, and I remember some journalists came to him and said, “We will see now if you can still sing.” Almaden replied, “No, I have come to sing to see Madrid still knows how to listen.” He was like that. I accompanied the second half of his concert, and Pepe de Badajoz, my teacher, accompanied the first half. I knew some of Almaden’s songs very well, but not all of them. Granainas and Malagueñas were no problem, but with Seguiriyas and Soleas I still had much to learn.
It was at Teatro de la Comedia where Pepe de Badajoz once did a very terrible thing to me. At this concert was all of Madrid, all the artists … I was only twenty-six and didn’t realize it at the time, but this was an important concert, even for Pepe. I realize now that it was huge, he and his disciple sharing the stage with Almaden. Almaden adored the way I played, but there were certainly many better guitarists than me in the room that night. They did not have my same style, but they were much better known than I was at the time. So the first half of his program waqs to end with a Seguiriya, which I knew I could accompany, but not at the Teatro de la Comedia in front of this audience. So Badajoz did the first half, and when the presenter announced the Seguiriya, Pepe came to me in the dressing room and said, “I have to go, I forgot I have a rendezvous, and I can’t accompany the Seguiriya.” Almaden said, “Wait, wait, accompany this song, we can do it in three minutes.” Pepe said, “No, no, I can’t, but Pedro will accompany you.” Now, my guitar was still in its case on the first floor because I wasn’t prepared to play until after the intermission. So here I was, rushing to retrieve and tune my guitar, and Peoe is saying, “Pedro will accompany you and he will do it well.” So I did it, but it was very very hard. I finished the piece, but I think the audience could see that I was not a great master of that style. It was disappointing, but I did not cry. I quickly went into La Granaina, which I played very well. For that I received an ovation, and I felt better. You see, Peoe had given me a test that night.

You have performed with many of the great flamencos, but now you are really more a soloist. Why did you decide to focus on solo playing? Is it very different playing flamenco as a soloist?

I like playing alone very much. What I enjoy most is accompanying a singer who I love, because the singer takes you with him – he takes you on a journey, and the two of you make music together. I do, however, adore playing solo because I can create my own universe of sound. I like to pass one style to another in order to make something of my own. Sabicas and Montoya, for example, started out playing solo. At one time it was not that common, but little by little there were more flamencos doing it – Juan Serrano, and others. Now, once again, there are very few doing it. A guitarist might play a solo during a quintet show, but they don’t present themselves solo.
As for myself, I come from a middle class family, and I was supposed to be an architect! When I was growing up, the flamencos were from the working class. In the cities they would often live in horrible conditions … in tiny rooms. My father did not want that for me – he wanted me to be an architect. I told myself I would succeed at flamenco guitar – that I would give concerts of flamenco like Segovia had done for the classical guitar. I told that to my father and he wanted to cut off my fingers! I won’t tell you everything, but he ceased his support during this period. I then told myself I needed to find a place where I could give guitar concerts, because I wanted to earn my living as a concert soloist. As it turns out, right around that time a soloist died and I was given the opportunity to replace him – that was my first solo tour.

You are known in the flamenco world as a more traditional guitarist, but your latest release, Luna Negra, seems to exist somewhere between flamenco and contemporary classical. Have you thought much about this idea of being “traditional” or not?

I have never sought to stay “traditional”, but I also have never tried consciously to distance myself from tradition. There is a primitive element to flamenco that, when retained, can sound more contemporary than what many flamenco artists working today are doing. Some of them are making music that is more “varieté”, pretty music that is very well made, but more for entertainment than art. I have no problem with this, but their inspiration is something very different than yours and mine.
The different aspects of flamenco rhythm interest me quite a bit. I have worked hard these ideas, and I have lots of work yet to do. On the harmonic level, there are many dissonances on the guitar that can be found in flamenco music. Originally the flamenco song comes from Arab and Indian modes and scales, and with our system of equal temperament – with the western guitar and fretted instruments – we often cannot reproduce these scales as they could be sung with the voice. However, many contemporary classical guitarists explore these dissonances and this is something I find very interesting.
It is not that I want to be more or less traditional – I want to search more within the flamenco tradition, things like the cry of unhappiness in the songs, the rhythms, and even the silences. It is a pleasure to hear you say that I have a more contemporary side though, because if I have the time, in a few years, I want to explore this even more. Now that I have begun to truly know how to play the guitar, I spent less time on technique, and I would like to explore more. My recent trip to India also really reinforced this idea.


avec Compay Segundo à Perpignan © Pedro Soler

You listen to a lot of classical music and classical guitar. Can you speak a little about the classical repertoire and the classical guitar? Are there things that inspire you technically or musically?

Classical guitar not so much, but classical music in general, yes. Today I am working on the Malagueñas, and there are certain phrases that came to me from classical pieces. For example, there is a whole phrase in a Scarlatti piece that, upon hearing I thought, “Wait … that is a Zapateado!” You can hear it in the Zapateadi I play on Luna Negra.

And yesterday you performed a piece by Beethoven?

Yes, La Lettre de Eloise. It was part of a concert I played at Beethoven’s house in Bonn, and it fit very well in the part of the Alegria we call the “silencio” - a very calm, slow part. There is another melody by Beethoven which I love … I am not sure which symphony it is from. I think it is the third movement of the fifth symphony, it starts … (he sings) … you know which one I am speaking of. I find it amazing the way the composer searches for his phrase (he sings again). This melody has always moved me very much. It’s as if he is searching, as if he is trying to jump but he can’t bring himself to jump. He puts one foot forward, then another, and then, - pah, he gets going. I have been playing this piece for a very long time, and I think now I am going to be able to play this passage within the malagueña, or between the malagueña and the verdial. The malagueña is very free, and the verdial is very rhythmic, usually for dance – and I have been wanting to put something between them, something free passing into something rhythmic.
Also it is not only classical music that influences me. I have listened to a lot of blues, and even some rock – I discovered rock mainly through my children. Actually, there is even a bit of Ben Harper that I put in the Seguiriya … just a little something. I have the impression it is not just me, either. Even Bach would steal little things from what he heard!

Absolutely! Improvisation is a very important element of flamenco. I also find that flamenco guitarists are less obsessed with their tone than classical guitarists are taught to be. In this way, perhaps you have more in common with the great blues guitarists. Could you speak a bit about the differences between the techniques and aims of expression when it comes to the classical and flamenco guitar?

I have two things to say about sound and tone. There was a guitarist from Granada, Roman el Granaino, who was a bit vulgar, but he played and accompanied very well. He was a little bit like a bear. His playing was not so refined, but he had an incredible sound. Upon hearing it I thought to myself, “What an amazing guitar this Roman has – I would like to have a guitar like that.” Then one day, I went to buy a guitar with one of my students. Roman was there with us – he was an older man then – and I passed him the guitar we were looking at. He began playing, and he had that same sound! So I told myself, “it is not the guitar, it is the guitarist!” One’s sound is not just their instrument.
For me, tone is very important. If one doesn’t have a good sound, it can easily hurt the music they are playing. Also, as for recordings, there were compilations on vinyl that had only soleares, or only malagueñas with different singers. I listened a lot to these records to learn things. Whenever I heard a guitarist that was amazing, it would turn out to be Carlos Montoya, Sabicas, or Ricardo. It was the old masters (les vieux) who had the sound I was searching for.
I am not so good when it comes to speed, and I do not have the most amazing rhythm, but with regards to my tone I have worked very hard, and I believe this is a very important thing. Ultimately, music begins with sound before anything else.

What interests me the most is the expression in the music. I find that there is actually more similarity between blues and flamenco in terms of expression, in terms of searching and giving …

Yes, certainly.

For example, classical guitar seems to put quite a bit more emphasis on “clean” playing …

Perhaps classical playing can be seen as a more rigid, proper form of expression.

Another example is that, for instance, a classical guitarist is often pained by making a mistake in concert.

That is terrible. There is also another difference when you play a classical piece, there is always a minimum of two musicians involved. There is a person who plays the piece – he who interprets, and then there is the composer. These two are always there. When you play flamenco, the two are made into one. For example, if you play Recuerdos de la Alhambra on guitar in a classical setting – whether you play it well or not – there is always Tarrega in the background with the notes he wrote. With the song Recuerdos de la Alhambra in flamenco, if you don’t express everything you have to say when you perform, there is nothing left. You are obligated to put everything in yourself – without that, there is not much to the music. Harmonically it is not the most amazing thing, but it is what we make it. We must try to say something with the music. After a certain moment if you have nothing to say, then there is nothing left. In classical music, even if the guitarist playing is not such a profound artist, there is still Villa-Lobos, Tarrega, or whoever wrote the piece lurking in the background. Freedom from this situation is enabling in many ways, and I think this is a big difference between the two styles.
You mentioned improvisation, and this is something that would take a long time to define accurately. One should not be led to believe that in flamenco we “improvise”. That it is to say, a flamenco does not arrive on the stage not knowing what he is going to play. This is especially true when it comes to solo playing. When accompanying song or dance, there is more improvisation, because you are listening to what the other person is doing and responding to them. With dance, the guitarist can choose what he plays, while the dancer directs and asks for certain things. With song it is not at all the same, because there is a dialogue, and for that reason I adore accompanying singers. So you see, improvisation in flamenco is not at all like free jazz improvisation, but there is still a kind of freedom – if I am doing something one way, and for some reason I want to do it differently, I have the freedom to do that. If one day I haven’t worked enough and my scales aren’t great, I can do an entire concert without playing even one scale. I could play other phrases with the thumb perhaps, and if one day I happen to break a thumbnail, I can do more phases with arpeggios. This is not like classical, where there is a score you must play.


avec Atahualpa Yupanqui © Pedro Soler

During one period of your life you spent a great deal of time in South America. During those years you were in contact with some of the great guitarists and artists of that culture, including Baden Powell, Atahualpa Yupanqui, Gilberto Gil, Caetano Veloso, and Nonato Luis. Could you speak a bit about those years? Did that experience change your life in any way?

Yes it did, particularly during my time in Brazil.

When was that exactly?

I was in Brazil from 1965 to 1980, or something like that. How did this change me? It definitely helped my rhythm. It made me realize that I had to work more on the things I couldn’t do so well. The flamenco music I have in my head, the music I am exploring all the time, the music inside of me – it has always veered more towards the east. Atahualpa is entirely different. He taught me so much, but not exactly in musical ways. For example, the Sevillina which I put on my new record Luna Negra is inspired by something of Atahualpa’s. It was something I always wanted to do, though that is not the most important influence he had on me. What he gave me was his musical spirit – his fluidity, his discourse. He was the greatest guitarist I had ever heard. Segovia was very important to me, and Bream was a great guitarist … of course there were all of the great flamencos. Atahualpa, though … there was something fundamentally great about him.

You did a tour in India earlier this year, and you collaborated with Indian musicians. Could you speak about this experience and the relationship between gypsy music and Indian music?

Yes – it was really because of that relationship that I went there. We know historically that the gypsies come from India. They came from Raghastan. Of the families who came from there, some stayed in Romania – like the family of Django Reinhardt who were manouches (French gypsies). Then there were the gypsies who went to Spain, and there are even some who have come back here (Perpignan, France-. We weren’t able to take you to Saint-Jacques (the gypsy quarter of Perpignan), nut it is unbelievable – you would think you were in India. These people have kept their identity, somewhat like the Jews who often marry within their own religion – they have kept their cultural and ethnic background intact to a large extent. It’s something special.
As for the music, flamenco really began in Spain. The gypsies brought their music and mixed it with many different influences – the Seguiriya and La Solea are good examples of this. In the Seguiriya, or in Les Tientos, there is a mode that is called Baîrav, which is a mixture of two scales. I worked on this a bit in India with an Indian violinist. He would play the Bairav Rag on his violin and I would play the Tientos in C major, and we would have to respond to each other – he would play and then I would play. One thing I realized is that in Raghastan they are fabulous musicians, but they are very much oriented toward the festive side of flamenco. The music is very fast moving, but it is not exactly what I am interested in. I have evolved my own flamenco toward purity, silence … saying the most with the least amount of things. It is more Southern Indian music, classical Indian music that interests me. For that reason I would really like to go back there.

Can you talk a little about the future – your upcoming projects? Do you have another recording planned after Luna Negra?

Some artists make a solo record every ten twelve years, but at my age I have to make the next one sooner than that. If I wait ten to twelve years that makes me a little too old. It’s a bit risky (laughs)! To tell you the truth, I want to make another Luna Negra but with half of the notes – something much more contemporary. There are things in my music which I’m sure would surprise the flamencos who see me as very traditional – you see, I have always tried to distance myself from traditional forms, and to be dynamic. Not that I have succeeded per se, but I have tried, and I am getting closer to arriving at this idea.

For the last three years you have been programming a guitar festival, “Guitares au Palais,” for the city of Perpignan. Could you talk about that and your program for this year?

What I love most about this festival is that it all happens in this incredible palace in the center of Perpignan – Palais de Rois Majorque, a fantastic 13th century palace. It is really a big party for the guitar. There is a small stage where the audience is seated; they can listen to a group and then go elsewhere, and a half hour later there is another group on a different stage. It is a free festival, so there is always a huge audience; people who might not come otherwise – gypsies, young people, general music lovers. Programming the festival brings me great happiness; I can program the things I love, and I usually invite a lot of my friends to play – I have many friends who are excellent guitarists. For three years now, almost all the artists I have programmed are people I know. If Atahualpa was still alive, I would certainly have him play!

On the festival there is flamenco, world music, classical … even rock!

It is part flamenco and part classical. The cultural council wants to market the festival toward the Spanish and Gypsy audiences, but I have actually expanded the festival to include other kinds of music. Last year we had Bob Brosnan, an American who plays steel string guitar. This year, of course, your group The National played the festival. This coming year we have Juan Falu, Jorge Cardoso, and Catalan guitarist Jaume Torrent performing Villa-Lobos’ Concerto with an orchestra. There will be many great flamenco artists as well.


Pedro Soler & Bryce Dessner (Mas Joaquin, Banyuls-sur-Mer)
© Bryce Dessner

My conversation with Pedro Soler last February ended there. I was fortunate enough on that trip to be able to take a few flamenco classes with Pedro while staying with his family at their home in Banyuls. Early on in my own development as a classical guitarist I was fascinated and inspired by flamenco, but I never had the chance to study it. It is meaningful to me now, years after finishing my own formal studies and embarking on a professional career to come back to flamenco and approach it with a new kind of curiosity. We began with the Seguiriya – Pedro taught me several variations by ear. While the technical side came quickly for me, I found the flamenco rhythms much more difficult to internalize. Pedro would sit with me clapping the patterns, or playing the figures for me on his guitar. As a teacher he is extremely patient and musical, showing me yet one more side of his artistic life.
In September I returned to France to perform with my band The National at Pedro’s “Guitares au Palais” festival, and the scene there was just as majestic as he had described. The local Gypsy and Arab families provided food and drink (paella and couscous), and often the gypsies carried on singing and dancing long after the concerts are over, treating all the guests to a great party. We played for two thousand people, fans of the band mingling with Gypsy and Arab families from the city and guitar enthusiasts there to see the opening set by French guitarist Pierre Bensusan. While The National was certainly an adventurous and risky choice for a guitar festival, we were greeted with incredible enthusiasm. All the while, Pedro modestly oversaw the festivities, making introductions, greeting guests … his own enthusiasm and open-mindedness for the music set a wonderful mood for the entire festival. Over the course of that weekend I came to understand the vast artistic and cultural contribution Pedro has made to the region in which he has lived and performed for most of his life.

This interview by Bryce Dessner was published in Guitar Review 133 (Winter 2007)
We print it with permission of Mr Bryce Dessner & www.guitarreview.com. Bryce Dessner is a composer and plays guitar for The National and the Clogs.


© Pedro Soler


DISCOGRAPHIE

Anthologie du Flamenco N° 1 - Pedro Soler – Guitarra Flamenca (VEGA 19.172)
Pedro Soler – A Flamenco Guitar Recital (RCA Victrola)
Pedro Soler & Marie-Rose Carlie - Poèmes d'Andalousie et Guitare Flamenca
(Disques Opéra, 7inch, EP)
Pedro Soler & Nonato Luiz - Diálogo (CBS)
Pedro Soler - Die Flamenco-Gitarre (Pläne) - est le même que *
Pedro Soler - La Guitare Flamenco (Le Chant Du Monde) *
Pedro Soler - Fuentes (Le Chant Du Monde)
Pedro Soler – Sombras (Al Sur)
Pedro Soler & Renaud Garcia-Fons – Suite Andalouse (Al Sur)
Pedro Soler & Beñat Achiary – Près du cœur sauvage … (Al Sur)
Pedro Soler - Luna Negra (Nord-Sud Music)
Pedro Soler, Eve Griliquez, Luis Rigou et Gaspard Claus – ‘Federico Garcia Lorca’ – Il y a eu crime dans Grenade, les poèmes du Cante Jondo (epm littérature)
Pedro Soler & Gaspar Claus - ‘Barlande’ (Infiné Music, 2011) avec Bryce Dessner et Katie English (sur une plage)
Pedro Soler & Gaspar Claus - 'Al Viento' (Infiné Music, 2016) 
Ines Bacán, Pedro Soler & Gaspar Claus - Serrana (Le Festival Permanent, 2017)

 

 

Arte Flamenco – vol. 1 (Mandala MAN 4828)
Arte Flamenco – vol. 2 (Mandala MAN 4829)
Arte Flamenco – vol. 3 (Mandala MAN 4832)

Arte Flamenco – L’âge d’or du Cante
(Mandala MAN 5062/5063)

Pedro accompagne Niño de Almadén sur CD 1 :
2. Garrotin
7. Guajira

Pedro accompagne Niño de Almadén sur CD 2 :
8. Malagueña
16. La caña
17. Minera

Ces 2 CD sont une compilation de la série "Arte Flamenco" – volumes 1 à 15 paru en 2004. Cet album contient une brochure nous racontant l’histoire de L’âge d’or du Cante (en français, english et español.

Les riches heures du Flamenco (Le Chant Du Monde)
avec El Nino de Almaden, Pepe de la Matrona, La Joselito

Enregistrement sonore, monographie
Enreg. public à la Sorbonne
Interprète(s) :
Soler, Pedro (1938-.... ). Guitare
Pepe de La Matrona (1887-1979 ). Chant
El Niño de Almadén (1899-1968 ). Chant

Référence(s) commerciale(s) : Chant du Monde LDX74262

Soleares / Pepe de la Matrona chant, la Joselita : baila, et Pedro Soler guit.
Malaguena / EL Nino de Almaden chant, et Pedro Soler guit.
Seguiyira / Pepe de la Matrona chant, et Pedro Soler guit.
Martinete / Pepe de la Matrona chant, et El Nino de Almaden chant.
Fandango de Huelva / El Nino de Almaden chant, la Joselita : baila, et Pedro Soler guit.
Tarento / El Nino de Almaden chant, La Joselita : baila, et Pedro Soler guit.
Tientos / Pépé de la Matrona chant, et Pedro Soler guit.
Farucca / El Nino de Almaden chant, La Joselita : baila, et Pedro Soler guit.
Buleria / El Nino de Almaden chant, et Pedro Soler guit.
Alegrias / Pépé de la Matrona chant, La Joselita : baila, et Pedro Soler guit. 

Grands cantaores du Flamenco – Pepe de la Matrona (Le Chant Du Monde)
Pedro Soler accompagne sur 1. Seguiriya ; 2. Tientos et 12. Soleares. Cette musique vient d’un enregistrement fait en 1963 par Chant du Monde sur le disque 30 cm intitulé ‘Riches heures du Flamenco’ (LDX 74262)

Grands cantaores du Flamenco – Jacinto Almaden (Le Chant Du Monde)

Pedro Soler accompagne sur 1. Martinete; 2. Farruca ; 4. Buleria ; 8. Fandango de Huelva et 9. Malagueña. Cette musique vient d’un enregistrement fait en 1963 par Chant du Monde sur le disque 30 cm intitulé ‘Riches heures du Flamenco’ (LDX 74262)

Germaine Montero - Présence de Lorca (Le Chant Du Monde LDX 7 6032, LP, 1968)

Ignace De Loyola - Cette nouvelle vie qui commence à présent (O.P.E.R.A. Sélection Etudes, LP)
avec les voix de Jean Davy, Guy Moigne, Jean-Paul Coquelin et René Bergil et musique de Pedro Soler (guitare) et Dominique Peccoud (violoncelle)

Raimundo Fagner – Soro (CBS, LP, 1978)
Pedro Soler joue sur une plage (‘Peteneras’ – traditional)

Beñat Achiary - Ene kantu ferde ta urdinak... (Silex)

Beñat Achiary, Bernard Lubat, Dominique Regef, Pedro Soler - Lili Purprea (Silex)

 Ces 2 CD’s sont réédité comme double CD sous le titre: Musique Basque D'Aujourd'Hui - Basque Music Of Today

Various Artists - Festival Guitarras del Mundo 1998/99 - Buenos Aires, Argentina
(2 CD, GDM 26/27, 2000)
Pedro Soler est sur disque 2 avec ‘Nana Flamenca’

Juan Varea – Cante Flamenco (Al Sur)
Enrique Orozco – Cantaor Sevillano (Al Sur)
Kudsi Erguner – L’Orient de l’Occident (Al Sur)
Le Concert de Nanterre (Al Sur)
Ravi Prasad & Pedro Soler (Al Sur)
Achiary/Bacan/Bekkas/Lopez/Soler - La Cité Invisible -Rencontre à Casablanca (Nord-Sud Music)

Olivier Bensa - Mélopées (Triton)
Pedro Soler (guitare); Michel Maldonado (contrebasse); Quoc-Vinh Luong (piano); Guy Bordeneux (percussion) et l’Academie Sainte Cécile sous la direction de Philippe Couvert interprètent la musique du guitariste/compositeur Olivier Bensa. Pedro joue sur "Mélopées"

Maria Bethania – Olho D’Agua (Universal, 1992)

Pedro joue sur la chanson ‘Invisivel’ (composé de Djavan/Caetano Veloso)

 

André Velter – Tant de Soleils dans le Sang
Pedro Soler et Ernest Pignon-Ernest
(Editions Alphabet de l’Espace, 2008) - DVD + livre

Livre-récital composé par poète, essayiste, homme de radio André Velter (° 01/02/1945 à Signy-l’Abbaye, dans les Ardennes) dans la résonance des musiques de Pedro Soler , TANT DE SOLEILS DANS LE SANG exalte l’énergie d’une poésie qui court le monde, qui prend ses risques et ne cesse de reprendre souffle.
Parole engagée, utopique et solaire, qui évoque aussi bien les aventuriers de l’arène, Manolete, Dominguin, Paquirri, José Tomás, que les aventuriers du verbe incarné, Federico Garcia Lorca, Victor Segalen, Blaise Cendrars, Paul Valet, Al Berto ou Juan Gelman.
Ici des mots jetés sur des cordes de guitare entendent faire chants, sens et rythmes à la fois. Des mots pour repartir encore et encore, et se retrouver à jamais en terrain découvert, avec des dessins d’Ernest Pignon-Ernest à placarder dans les rues.


Juan Ramón Jiménez –‘ Platero et Moi’ (Sous la Lime SLM 555, 2009)
Claude Aufaure, Pedro Soler et Gaspar Claus


Guitar Review 133 (Winter 2007) – New Music Series – Volume 5
This CD came with the American guitar magazine GUITAR REVIEW and was a compilation of 6 songs from Pedro Soler’s ‘Luna Negra’ (Candil de Almadén/Luna Negra/Rosales Gaditanos/Carmen Joselito/Campos de Sevilla/Flor de Sal) as well as 5 songs from Bryce Dessner (3 solo and 2 with his band The Clogs)

 

Pedro Soler
A FLAMENCO GUITAR RECITAL
RCA Victrola VICS 1029 (LP, 1965)

Pedro Soler: Flamenco guitar

Side 1:
Soleares / Tarantas / Peteneras / Alegrias
Side 2:
Rondenas / Siguiriyas / Guajiras / Granadinas

Liner notes:
The true origin and history of Flamenco is obscure, even among the experts. It seems certain, though, that Flamenco originated in Andalusia, Southern Spain. Although comprised of several influences, including Jewish and Moorish, Flamenco is essentially the music from Spain. Though some hesitate to classify it as folk music, Flamenco reflects the joys, sorrows and everyday life of the people – love, death, misfortune, and the extolling of their country. In its complete form, Flamenco is an amalgam of singing, dancing and playing.
During the years, the music has changed its form. It became more commercial, and concessions have been made to public whims. Comparatively few artistes still present these pieces in their traditional form. PEDRO SOLER, born in 1938, served a long and exacting apprenticeship with the best Spanish Flamenco singers. He developed a great love of Flamenco in early childhood, and by the age of twelve, the guitar was his constant companion. In the best traditions of folk art, he learnt with his eyes, ears and heart.
By a fortuitous coincidence, he had the opportunity to tour with Pepe de Badajo, the Flamenco virtuoso, and learnt the traditional techniques of Flamenco guitar playing from a widely acknowledged expert.
Señor Soler swiftly graduated to touring in his own right, and built an impressive reputation for his skill and authenticity. He has twice represented Spain at International Festivals in Paris. His recordings on RCA Victor have widened and enhanced his reputation, and one of them earned him the French award “Grand Prix du Disque”.
This present album consolidates his international status as a leading exponent of the Flamenco guitar art.
Señor Soler already enjoys a considerable following among British/Flamenco enthusiasts through his successful London recitals, radio and television appearances.

© Stefe Jiroflée

Pedro Soler
LA GUITARE FLAMENCO
Le Chant du Monde (LP, 1979)

DIE FLAMENCO-GITARRE
Pläne (LP)

Pedro Soler: guitare flamenco

Ce disque a été enregistré par Robert Prudon et sortait en 1979 dans la série ‘Spécial instrumental’ du label Le Chant du Monde

Side 1:
Soleares / Tarantas / Tanguillo
Side 2:
Peteneras / Granadinas / Fandangos

© Pedro Soler

Liner notes:

Soleares : style fondamental du flamenco, les soleares sont la souche initiale du flamenco. Exemple du style « jondo » (profond), ce sont elles qui représentent le mieux la synthèse des éléments et influences qui ont donné naissance au flamenco, vieux fondements du chant ancien andalou, apparts orientaux par le chant grégorien, les influences arabes et plus tard gitanes.
Tarantas : Style dont la structure libre dérive du taranto qui, était dansé. Les tarantas sont particulières aux régions de mines d’Andalousie. Leur tonalité est caractéristique et l’accompagnement du chant complexe.
Tanguillo : Style de Cadiz, chant é et dansé : il est de tonalité majeure et gai. Souvent les paroles en sont humoristiques, chose assez rare parmi les chants plutôt dramatiques du flamenco.
Peteneras : Style (chanté et dansé) créé autour d’une légendaire femme de Paterna de la Ribera, prés de Cadiz, qui, par dépit amoureux, a fait des ravages parmi les hommes de la région.
Granadinas : De la région de Granada, ces styles très fleuris et ornementés font penser aux arabesques des palais mozarabes.
Fandangas : Style régional espagnol ; on le trouve sous des formes différentes en divers points de la péninsule. Le fandango andalou est le plus célèbre. Il y a différents fandangos flamencos (fandango de Malaga, fandango de Alosno, fandango de Huelva). Style très répandu, il fait partie du Cante dit « chico », mais certains fandangos atteignent l’intensité du Cante Jondo (chant profond).

Pedro Soler, El Niño De Almaden, Pepe De La Matrona, La Joselito
RICHES HEURES DU FLAMENCO
Le Chant du Monde (LP, 1963 et CD, 1989)

Pepe de la Matrona & El Niño de Almaden : chant
La Joselito : baïla
Pedro Soler: guitare flamenco

Side 1:
Soleares (Matrona, Joselito, Soler) / Malaguena (Almaden, Soler) / Seguirya (Matrona, Soler) / Martinete (Matrona, Almaden) / Fandango de Huelva (Almaden, Joselito, Soler)
Side 2:
Tarento (Almaden, Joselito, Soler) / Tientos (Matrona, Soler) / Farucca (Almaden, Joselito, Soler) / Buleria (Almaden, Soler) / Alegrias (Matrona, Joselito, Soler)


Avec La Joselito & Almadèn au Petit Odéon © Pedro Soler

Liner notes :
Enregistré à l’occasion d’un récital à la Sorbonne, ce disque est une pièce rare pour les aficionados de l’art flamenco. Il n’est pas besoin d’insister sur la haute tenue artistique assurée par les trois prestigieux noms que sont « La Joselito », Jacinto Almaden et Pepe de la Matrona, derniers détenteurs du véritable flamenco et le jeune Pedro Soler qui est déjà l’accompagnateur de prédilection des maîtres de cet art. Leur réunion constitue un événement mémorable ; mais ce qui rend cet enregistrement plus précieux encore, c’est ce que certains appelleraient l’apparition du « Duende » au cours de la soirée d’enregistrement, ce « génie » qui emplit l’atmosphère de chaleur, de sincérité, et qui permet aux artistes de donner le maximum d’eux-mêmes de se surpasser pour sublimer leur art. Il y eut le bonheur de se retrouver entre « purs », peut-être même que le vin qui réchauffe et souvent réveille le « Duende » et auquel Pepe de la Matrona ne fit pas triste figure, et voilà que ce soir là on oublia les micros et les parois sonorisées du studio se confondirent avec les murs à la chaux blanche d’un patio andalou. Ce que l’on ne pourra oublier de ce disque, c’est cet état de grâce de quatre artistes qui, sans aucun artifice, livrent le plus profond de leur être et de leur art. La toux de Pepe de la Matrona, ses pas même le bafouillage d’Almaden lorsqu’il demande au guitariste « echa ahi perlitas » de lui envoyer ses « petites perles » (notes perlées) qui l’inspirent, les quelques ratés de Pedro Soler, viennent avec le reste.
Les chants succèdent aux danses et même chose rare en ces occasions, l’improvisation se mèle à la fête. Ainsi naît la Farruca, pour la première fois chantée et dansée, La Taranta à laquelle Almaden donne une émotion déchirante tandis que La Joselito, enlève dans un irrésistible élan. Les Soleares, empreintes de noblesse et de dignité terminent dans un mouvement vif et passionné sans toutefois s’éloigner du style de départ. Pepe de la Matrona atteint un sommet de l’émotion dans les Seguiriyas où sa voix se casse dans un sanglot contenu. D’une difficulté d’exécution qui limite le nombre de ses vrais interprètes, les Malaguenas que chante Almaden expriment la douleur d’amours malheureuses avec une émouvante pudeur que le chant final de Juan Breva vient couronner de virilité. Les Tientos qu’interprète Pepe de la Matrona, poésie de la nature et du cœur sont également tout d’émotion contenue. Alors que les Bulerias por Soleares crient le dépit d’un amour déçu. Les Alegrias où le flamenco essaye d’exprimer la joie sont souvent teintées de mélancolie, les Taconeos de La Joselito donnent ici une vigueur pleine de nuances et de dignité. Un des moments les plus « profonds » de cette soirée fut le « mano a mano » des Martinetes, chants des forgerons où les chanteurs se stimulent mutuellement et où apparaît nettement la différence de personnalité de ces deux artistes. Les Fandangos de Huelva nous révèlent l’improvisation poétique chez le chanteur, ici, Almaden célèbre dans le premier couplet son amitié pour Joselito et Pedro Soler.
source: Le Chant du Monde
couverture LP: Reproduction d’un lavis de Picasso « Un Piccador et deux Femmes »

Pedro Soler avec El Guito, Araceli, Niño de Almaden & la Reine Fabiola et le Roi Baudoin I de Belgique © Pedro Soler


Le photo sur la pochette © Peter Godry

Pedro Soler
GUITARRA FLAMENCA - FUENTES
Le Chant du Monde (LP, 1985)

Pedro Soler: guitare flamenco

Ce disque a été enregistré par Michael Ernst dans le studio Wolf Biermann (Hamburg). Tous les arrangements sont de Pedro Soler. 

Side 1:
Soleares / Tientos / Javeras / Bulerias Al Golpe
Side 2:
Guajiras / Sevillanas / Nana / Alegrias De Baile

Pedro à Banyuls-sur-Mer © Pedro Soler




Pedro Soler
FLAMENCO GITARRE
Happy Bird / Bellaphon (LP, 19??)

Pedro Soler: guitare flamenco

Ce disque a été enregistré par Thomas Kuckuck dans le Tonstudio Mertens. Tous les arrangements sont de Pedro Soler.

Side 1:
Rosas / Nana Flamenca / Solares / Tarantas
Side 2:
Peteneras / Granadinas / Zapateado

This LP was also released as a twoofer with an album from Sabicas in the Time Wind Series from Music Distributor GmbH (Hamburg)

Sabicas (Agustín Castellón Campos) was a Flamenco guitarist, of Romani origin, who was born in 1912 in Pamplona, Spain and died in 14 April 1990 in New York.Sabicas began playing guitar at the age of 4 and made his performing debut 2 years later. His early style was influenced by Ramón Montoya, with whom he was related on his mother's side of the family. Extensive collaboration with important cantaores (male Flamenco singers) of the period helped him develop his unique personal style.
Leaving Spain in 1936 during the Spanish Civil War, he went into exile in South America with bailaora (dancer) Carmen Amaya. The two toured together several times. Sabicas later settled in New York City in the United States. He did not return to his native Spain until 1967.

Sabicas was instrumental in the introduction of Flamenco to audiences outside of Spain and the Spanish-speaking world. He was probably best known for his technical skills: blazingly fast picados (scales), fast arpeggios, quality composition for the many forms of flamenco, and infallible rhythm, which was critical if playing with a dancer. Also, he was considered to have perfect pitch. "The finest technique around has got to be Sabicas, the Flamenco player," famed guitarist Chet Atkins told Guitar Player Magazine in March 1972.

Sabicas was a tremendous genius] of his day, not only with technique, but with major contributions, playing Flamenco previously unimaginable and giving new tools and possibilities for the solo instrument. He brought this art to concert halls and major theaters where all classes can enjoy.
Notable contemporary players such as Paco de Lucía, Tomatito, Serranito, Juan Manuel Cañizares, El Viejín, Vicente Amigo, Gerardo Nuñez and many more claim large influence from Sabicas' music.

From Wikipedia, the free encyclopedia


Pedro Soler
Anthologie du Flamenco N° 1
GUITARRA FLAMENCA
VEGA (LP, 19??)

Pedro Soler: guitare flamenco

Side 1:
Farrucas / Bulerias / Tientos / Zapateado
Side 2:
Malaguenas / Serranas / Nana Flamencas / Rosas


Liner notes :
Farrucas : Originaire de Galice, la « Farruca » a pris racine en Andalousie, pour devenir une danse très importante du répertoire flamenco. Le chant de farrucas, peu répandu de nos jours est très beau dans sa noblesse paysanne.
Bulerias : Devenue à l’heure actuelle un des grands classiques du flamenco, la buleria (burlarse = se moquer, plaisanter) n’était à l’origine qu’un style enjoué qui permettait de se détendre, après une austère session de flamenco. Les chanteurs, les danseurs, et même parfois les guitaristes exécutent à tour de rôle quelques pas de danse souvent burlesques.
Tientos : Un des styles les plus profonds (Jondos) du flamenco, mais aussi un des plus souvent maltraités. On leur substitue en général le tango flamenco, de la même famille mais qui est loin d’avoir la valeur du tiento, très difficile et en voie de disparition. C’est un style tout de pudeur, de retenue, d’intériorité.
Zapateado : Ce style très rythmé est le support d’une danse essentiellement masculine. Danse de cavaliers, elle a d’ailleurs une sœur en Argentine, le fameux « Malambo » de la pampa.
Malaguenas : Dans cette gravure, Pedro Soler enchaîne le style de Malaga et celui des Verdiales, plus vif, qui a conservé la structure rythmique de la malaguena primitive.
Serranas : Style montagnard. C’est le chant des « Bandoleros », brigands de grands chemins des montagnes andalouses. On y retrouve toute l’angoisse sourde de leur farouche vie nocturne.
Nanas Flamencas : Les nanas sont des berceuses andalouses, chantées à l’origine a cappella au balancement des berceaux. Le maître Perico del Lunar avait créé pour ce chant un accompagnement que Pedro Soler a développé pour en faire ces quelques phrases dont la grâce n’exclut pas la gravité inhérente à toute l’Andalousie.
Rosas : De la famille des Alegrias, style exprimant en principe l’allégresse, les Rosas sont caractéristiques de la région de Cadix.

© Pedro Soler

Parmi toutes les guitares qui chantent et font danser le flamenco dans le monde, il est une particulièrement pure, c’est celle de Pedro Soler.
Qu’il soit entouré de ses ainés tels que Joselito ou Almadén, ou qu’il soit seul, il dégage dans son art un tel style que l’on prend conscience qu’il porte en lui la véritable authenticité du flamenco.
Il existe parfois, sur des murs, des portraits dont on n’a pas connu le modèle et qui, grâce à l’artiste qui les a réalisés, dégagent une incontestable ressemblance. C’est cette impression de « ressemblance » que l’on reçoit et qie l’on admire quand on entend Pedro Soler.

Jean-Louis Barrault (le 19 juin 1967)

 

Marie-Rose Carlié & Pedro Soler
Poèmes d’Andalousie et guitare flamenca

O.P.E.R.A. (45 tours de longue durée, 19??)

Pedro Soler: guitare flamenco

Liner notes :
Ce disque est né des nombreux récitals qu’a donnés Pedro Soler avec Marie-Rose Carlié pour les JEUNESSES MUSICALES DE FRANCE. Dans ces récitals, la guitare tait reine et la poésie avait valeur de prélude ou de postlude et tendait à créer un climat.
C’est pour répondre aux nombreuses approbations en face de cette formule de programme, aux désirs de beaucoup de réentendre quelques textes – rares ou difficiles à trouver en librairie – que ce disque fut fait. Il faut en l’écoutant, accepter la convention des traductions – approche du texte et non vérité poétique -, la convention d’une voix féminine dans des poèmes parfois « masculins » et s’attacher au climat plus qu’aux détails.
Pedro Soler dit en espagnol deux poèmes de F. Garcia Lorca dédiés à la Guitare.

COPLAS POPULAIRES ET COPLAS SENTENCIEUSES DU FOLKLORE ANDALOU - (première face) :

Un précieux petit livre trouvé par hasard voici quelques années. Son titre ? 333 coplas populaires suivies de 33 coplas sentencieuses du folklore andalou. Ces merveilleuses traductions ne sont pas signées …
Une rencontre fortuite en Afrique du Nord – celle de l’éditeur, M. Charlot, qui sait le livre épuisé – nous révélera beaucoup plus tard qui sont les auteurs de ces traductions : deux hispanisants remarquables, qui ont préféré l’anonymat et que nous laisserons parler à travers leur préface discrète :
« … La copla, court poème de quelques vers, presque toujours anonyme, est, faut-il le dire, l’expression la plus vivante de l’âme populaire espagnole. Improvisée et chantée, souvent par des amateurs sans grande instruction, elle ouvre sur cette âme, sur son sens poétique, son imagination, sa richesse et sa noblesse, d’étonnantes perspectives qui dépassent les données habituelles du folklore.
La copla, particulièrement florissante en Andalousie où les gitanes lui ont donné une saveur spéciale, un tour à la fois naïf et raffiné, une grandiloquence à vous couper le souffle ou au contraire, l’accent à peine accusé d’une exquise sensibilité, la copla, qui, du reste a inspiré les meilleures poètes de la Péninsule, demeure l’un des trésors les plus certains du peuple de la Méditerranée d’Occident. »
On ne peut plus justement parler de la copla et avec plus d’amour.

FEDERICO GARCIA LORCA (POEME DU CANTE JONDO) : MEMENTO (VIGNETTES FLAMENCAS) / AUBE (POEME DE LA SOLEA) / MORT DE LA PETENERA (GRAPHIQUES DE LA PETENERA) / LA GUITARRA / LA GUITARE (POEME DE LA SEGUIDILLE GITANE) - (deuxième face)

Ces quatre poèmes de Garcia Lorca (Nous avons pris comme point de départ les traductions des Poèmes de Garcia Lorca, publiés chez Gallimard) sont des extraits du fameux « Poème du cante jondo » et rappellent des styles flamencos précis : soleares, peteneras, seguidilles gitanes, etc.
Tout au long de ces textes, la merveilleuse guitare flamenca de Pedro Soler commente le texte ou l’épouse, l’entoure ou le suit. Cet hommage à Lorca (qui a tant chanté son Andalousie, tant aimé le flamenco, tant défendu et servi cet art populaire noble, âme de sa terre natale) est en même temps que ferveur « du Sud brûlant », hommage à la guitare elle-même. Et quand la poésie célèbre la musique, quelle unité plus profonde chercher au cœur de l’art ?

Enregistrement : Sofreson
Production : Louis Fournier


El Niño de Almadén & Pedro Soler
ARTE FLAMENCO Vol. 3
MANDALA (CD)

El Niño de Almadén: chant
Pedro Soler: guitare flamenca

Fandangos / Malagueña / Mirabrás / Farruca / Granaina / La Caña / Soleares /Minera / Guajira / Siguiriya / Saetas

Enregistré en juin 1961.
Jacinto Antulin Galleco (1901-1971) dit El Niño de Almadén, du nom de sa ville natale, Almadén, modeste agglomération de 15.000 habitants située à la pointe sud-ouest de la Nouvelle Castille , aux confins de l’Extrémadoure et de l’Andalousie, fut formé dès l’enfance (12 ans à peine) à la dure école de la mine (Lurcajo, Puertollano, Romanil-las), où il commence par laver le minéral à l’air libre pour se retrouver bientôt mineur de fond. Son seul dérivatif est le chant et les réunions entre amis le dimanche.
Son talent est bien vite détecté et on l’invite régulièrement dans les fêtes de villages où il se rend rapidement célèbre. Sa voix, d’une extraordinaire souplesse, se prête idéalement, en effet, à l’interprétation des ‘cantes’ de la région, les minares, dont il devient l’un des spécialistes reconnus.
A toute chose, malheur est bon, dit-on , et c’est ainsi qu’ayant réchappé par miracle à un terrible accident du travail, il décide de quitter la mine pour se consacrer à son art. C’est alors qu’un cantaor réputé en ce début de siècle, El Niño del Gentil, qui avant remarqué peu de temps auparavant le talent naissant d’Almadén, prend ce dernier sous son aile à ce tournant de sa vie, lui ouvrant les portes du café cantante La Magdalena à Madrid, et par là-même celles de la carrière cantaor professionnel.
A Madrid, le succès est immédiat et ne va plus lui faire défaut. Contrats, enregistrements de disques, tournées avec des troupes connues (dernière en date, les ballets de Luisillo) se succèdent et son nom est bientôt connu de tous. Les aficionados sont très vite séduits par cette voix à la fois lisse et timbrée, conduite à la perfection, capable de contrastes dynamiques insoupçonnés et passant à volonté de l’ombre à la lumière suivant les impératifs du texte.
D’abord spécialisé dans les chants de la mine et du Levant, interprète incomparable des malagueñas et autres granainas, El Niño de Almadénétend peu à peu son répertoire. Le grand Antonio Chacón, son Dieu, son maître, son modèle, qu’il rencontre en 1923, l’aide dans sa démarche, lui donnant de ne plus fumer n’est pas le moins lourd des conséquences ! C’est en effet grâce à la longueur de son souffle qu’Almadén peut, par exemple, étirer jusqu’à l’insoutenable les versets quasi liturgiques de la malagueña d’Enrique el Mellizo. Comme Chacón, d’ailleurs, Almadén possède une technique vocale parfaite, si parfaite qu’elle semble être le résultat d’un travail acharné, quand bien même le don a joué le premier rôle. Héritiers tous deux sans le savoir d’une école de la voix qui remonte à Zyriab est à la tradition orientale judéo-arabe installée en Europe pendant de nombreux siècles (dans un passé récent – les années 40/50 – le chanteur oranais Mahieddine, spécialiste de chants religieux, présentait encore des similudes frappantes de timbre et de technique avec nos deux cantaores), Chacón et Almadén traduisent l’indicible et révèlent le secret des coplas par cette perfection même, par le pouvoir que possède une voix contrôlée au millimètre de révéler tous les aspects d’un texte et d’en percer les énigmes. En cela, l’art des cantaores payos (= paysan, utilisé pour des non-gitans) est parfaitement complémentaire de celui des gitans, lesquels privilégient le plus souvent la dramatisation du discours au détriment de l’art vocal pour des raisons essentiellement existentielles. Aussi bien, plutôt que d’attiser une querelle stupide qui n’est pas près de s’éteindre, savourons donc pour l’heure le grand moment de joie musicale que nous offre un chanteur payo auquel les gitans eux-mêmes ont rendu hommage, Ramón Montoya, gitan s’il en fut, et qui avait mis son art au service des plus grands, n’accordait-il pas à Almadén le titre de Señor del Cante Grande ? D’autres guitaristes d’immense talent partagèrent cet avis, tels Pepe Badajoz, Melchor de Marchena, Roman el Granaino, Perico el del Lunar, qui l’accompagnèrent fréquemment, avant que Pedro Soler ne devienne son partenaire de prédilection.
L’enregistrement de ce disque fut effectué dans des conditions bien particulières, qui tiennent essentiellement à l’amitié qui unissait Almadén, Pedro Soler et l’auteur de ces lignes. En manque, littéralement (le chant était vraiment pour lui une véritable drogue), Almadén nous convoqua (le terme n’est pas trop fort), un dimanche de juin 1961 pour mettre en boîte, comme l’on dit dans le jargon du métier, une série de ‘cantes’ qu’il avait longuement travaillé avec Pedro. Ainsi fur fait, dans la joie et la décontraction, sans contraintes d’aucune sorte, en jouant au contraire la carte de la spontanéité, et en s’interdisant donc les reprises ou corrections habituellement pratiquées (‘La Saeta’, plage 11 du CD, provient d’un enregistrement antérieur). "Gardez cette bande," dit ensuite Almadén, "et publiez-la si vous voulez après ma mort (el dia que palme) … Vingt-trois ans plus tardd son vœu est enfin réalisé.

Pedro Soler & Nonato Luiz

DIÁLOGOMÚSICA FLAMENCA – MÚSICA BRASILEIRA
CBS (LP)

Pedro Soler: guitare flamenca
Nonato Luiz: guitare

Side 1:
Malagueñas (folklore – adapt. Pedro Soler) / Granaina (folklore – adapt. Pedro Soler) / Nana (Pedro Soler) / Seguiriyas (folklore – adapt. Pedro Soler)
Side 2:
Qui Nem Giló (Luiz Gonzaga – Humberto Teixeira) / Viola Violada (Nonato Luiz) / Dança D Ventre (Nonato Luiz) / Quatro Prantos (Nonato Luiz – Fausto Nilo) / Homenagem A Gil (Nonato Luiz) / Reflexões Nordestinas (Nonato Luiz) / O Sonho (Nonato Luiz)

Enregistré en public 29 & 30/06/1982 à la Sala Cecilia Meireles (Rio de Janeiros) par Harley Barros

Avec Nonato Luiz © Pedro Soler

Nonato Luiz, guitariste et compositeur brésilien, est né dans la petite ville de Lavras da Mangabeira, située dans L'État de Ceará, au Nord-Est du Brésil. Nonato Luiz est, sans aucun doute, l'un des musiciens brésiliens le plus respectés dans le circuit européen, tant par les amateurs que par les critiques spécialisés. Il reçoit toujours des éloges lors de ces présentations publiques. Avec plus de 700 compositions musicales et plusieurs collaborations avec des paroliers brésiliens, Nonato a déjà enregistré avec les principaux noms de la musique brésilienne comme Nara Leão, Geraldo Azevedo, Belchior, Fagner et bien d'autres. Il possède une ample discographie et a lancé déjà quatre Livrets de Participations, dont une en Europe par la Maison d'Edition Henri Lemoine à Paris. Ce livret, dont le titre est Suite Sixième en Ré Pour Guitare, le fait entrer dans le cercle privilégié des musiciens brésiliens ayant édités leurs œuvres originales en Europe. Sa musique unique mélange des éléments de rythmes du Nord-Est Brésilien avec une musique classique et érudite. Son inspiration passe du Forró (musique régionale) au Jazz, de la Bossa Nova au Blues.

Nonato Luiz débute sa carrière artistique en 1956. À cette époque, son instrument de prédilection est le cavaquinho, une petite guitare typique des rythmes tropicaux au son aiguë. Alors qu'il est musicalement partagé entre la musique populaire et la musique plus classique, il opte pour la guitare dont il fera son instrument. En 1975 il est déjà compositeur et il atteint l'harmonie avec son instrument. C'est alors qu'il remporte le Premier Prix au Concours de Guitaristes, organisé par la fameuse TV TUPI, de la ville de São Paulo. C'est la première reconnaissance de son talent. Il lance son premier album ‘Terra’ en 1980, avec la participation de Raimundo Fagner, João Donato et Bimba. Deux ans plus tard, il enregistre ‘Diálogo’ avec le guitariste de flamenco Pedro Soler.
En 1984, avec de grands noms comme Mercedes Sosa, Paco de Lucia et Raphael Alberti, il enregistre un disque en hommage au peintre Pablo Picasso, lancé en Europe. La même année, c'est à Johannesburg, en Afrique du Sud, qu'il participe à un disque produit par le label S.A.B.C. Puis vient sa première tournée européenne en 1985. Il se présente alors en Italie, en France et en Autriche où il joue pour la première fois au Mozarteum de Salzburg, le temple de la musique instrumentale. À Paris, la même année, il enregistre ces propres compositions dans l'album ‘Guitarre Brésilienne’. De retour au Brésil, il collabore à de nombreux enregistrements et participe à de multiples concerts avec des pointures de la musique brésilienne comme Chico Buarque, Raimundo Fagner, Nara Leão, Luiz Gonzaga et Amelinha. En 1989 il fait une nouvelle tournée européenne. Cette fois en plus de l'Italie, de la France et de l'Autriche, il se présente en Allemagne confirmant l'augmentation de son prestige international. En 1990 il enregistre pour le label Caju Music un album avec le percussionniste Djalma Correa et le bassiste Luiz Alves. Pendant une nouvelle tournée en Europe, en 1990, il enregistre l'Album ‘Retrato do Brasil’ (Portrait du Brésil), lancé mondialement par la maison de disque Otto. Ensuite vient une série de concerts à Rio de Janeiro dans la salle de spectacle Cecília Meireles et une tournée avec le chanteur Raimundo Fagner dans tout le Brésil et quelques concerts en solo dans les régions Nord et Nord-Est. La même année il sort deux nouveaux albums : ‘Carioca’, avec l'organiste Tulio Mourão dont le lancement a eu lieu au cours d'une présentation unique sur la scène du Free Jazz Festival. Cette performance a été considérée par la critique comme la meilleure sonorité de l'événement.
Le deuxième album il accompagne l'une des plus belles voix du Brésil, Milton Nascimento, dans un disque intitulé ‘Fé Cega’ (Foi Aveugle). Ce travail entre les deux hommes continue et donne un autre disque ‘Milton Nascimento By Nonato Luiz’. En 1992, après une tournée européenne devenue déjà un rendez-vous obligé avec son public, il réalise une série de concerts à Paris. Promotionné par L'Unesco, il enregistre ‘Terra à Vista’ (Terre en Vue), dans une Salle de Cinéma à Paris, qui deviendra l'hymne officiel de la Rencontre Internationale ECO-92. En 1994 il enregistre un album entièrement dédié au grand maître de la musique du Nord-Est du Brésil, Luiz Gonzaga, Le Roi du Baião (musique régionale). L'année suivante il joue aux États Unis où il intègre un groupe d'artistes brésiliens à l'occasion du concert ‘It's time for Brasil’ au Centre de New-York. Après le lancement au Brésil de ses albums enregistrés en Europe, il prête ses cordes à la musicalité de Beatles et lance en 2000 ‘Nonato interpréta The Beatles’, considéré comme son Album Blanc, pour le label Kuarup. Dans deux albums lancés en 2001, sa guitare met en valeur les voix de deux artistes uniques, Fernando Rocha et Abel Silva. Puis, en 2002, il décide de rendre hommage et d'honorer ses racines du Nord-Est et enregistre l'album ‘Ceará’, nom de son état d'origine. Pour ce travail il fait une relecture personnelle de l'oeuvre de 18 compositeurs cearenses (originaire du Ceará). Lors de ce retour au sources, Nonato Luiz passe par 15 grandes villes et fait découvrir au public les musiques composées au Ceará durant le 20ème siècle.
Nonato Luiz a reçu de nombreux prix au cours de sa carrière. Parmi ces prix figure le Prix Sharp de Musique obtenu avec la musique ‘Baião de Rua’, composée avec un autre talent du Ceará, le poète Fausto Nilo.
Nonato Luiz est un alchimiste des sons et des sonorités, un artiste sachant réunir dans sa musique toutes les influences la rendant magistrale et unique, sans pour cela se détourner de son identité et de ces racines du Nord-Est du Brésil. Ces sentiments, ces vibrations, cette énergie que seul celui qui a vécu dans cette région du Brésil, peu en sentir et en peser la formidable force créative.

Avec Nonato, Salzburg 1982 © Pedro Soler


Germaine Montero
PRESENCE DE LORCA
Le Chant du Monde (LP, 1968)

Pedro Soler: guitare flamenca

Poema del cante jondo
1. La guitarra * El grito * El silencio * Tierra seca * Da,za * En el huerto de la Petenera * De profundis * Memento
Romancero gitano:
2. Romance de la Guardia Civil Española

Poeta en Nueva York:
3. La aurora / 4. Oda al Rey de Harlem

Llanto por Ignacio sanchez Mejias:
5. La cogida y la muerte / 6. La sangre derramada / 7. Cuerpo presente / 8. Alma ausente

Divan del Tamarit :
9. Gacela del mercado matutino / 10. Casida de llanto

Germaine Montero, née Germaine Heygel d'un père alsacien et d'une mère normande, est une actrice et chanteuse française, née le 22 octobre 1909 et décédée le 29 juin 2000.
Elle est connue pour ses rôles dramatiques au théâtre (notamment chez Jean Vilar), entre autres, dans Noces de sang, Yerma ou La Maison de Bernarda Alba de Federico Garcia Lorca qu'elle fait d'ailleurs connaître en France. Elle avait débuté sous sa direction au théâtre de Madrid.
Chanteuse, elle interprète avec sa voix unique, Aristide Bruant, Jacques Prévert, Pierre Mac Orlan, Léo Ferré, Béranger, etc. Elle chanta également souvent en espagnol (notamment ses interprétations remarquables des chansons folkloriques recueillies par Garcia Lorca).
Elle décède à Saint-Romain-en-Viennois (près d'Orange, Vaucluse) le 29 juin 2000. Elle est inhumée au cimetière de Montrouge à Paris.
Son interprétation de la chanson Les cinq étages figure au programme du baccalauréat de musique 2010.
Source : wikipedia

“Cette nouvelle vie qui commence à présent”
IGNACE DE LOYOLA
O.P.E.R.A. 312 Sélection ÉTVDES


avec Jean Davy (Le confident, Luis Gonzalves da Camara), Guy Moigne (Ignace de Loyola), Didier Phalempew (le père gardien), Jean-Paul. Coquelin (l’inquisiteur), Olivier Rinjart (voix diverses), Marie-Rose Carlié (textes de lien) et René Bergil (le père provincial)

Pedro Soler: guitare (les textes en espagnol sont lus par Pedro Soler)
Dominique Peccoud, violoncelle


© Ramon Lopez

Gisela Bellsolà
PAÍS CATEDRAL
AudioVisuals de Sarrià S.A.

violine: Gorinne Basseux (solo), Lucien Bass (solo), Isabelle Claudet, Philippe Couvert, Cécile Jeanneney, Sylvie Niverd, Yolande Nuño
viola & violine: Frederic Montargès
viola: Brigitte Clément
violoncelle: Joel Pons (solo), Jean Yves Poirier
contrebasse: Vincent Charbonnier, Damien Guffroy, Miquel Maldonado (solo)
piano: Fanny Amar
guitare: Gerard Méloux, Didier Basdevant

guitare flamenca de Pedro Soler

Orchestre dirigé par Miquel Maldonado

Enrégistré fin 1986 dans les studios MORALEDA par Albert Moraleda

CARA A: 1. Velles corrandes per a la Pepa (Maria Mercé Marçal/Gerard Méloux) / 2. Anna Marinera (Maria Mercé Marçal/Gisela Bellsolà) / 3. La Fugida (Segimon Serrallonga/Gisela Bellsolà) / 4. No ploris (Mònica Bellsolà/Gerard Méloux) / 5. Vine (Mònica Bellsolà/Gerard Méloux) / 6. La princesa Neu (Joan Morer/Gisela Bellsolà)

CARA B: 1. País Catedral (Gerard Salgas/Gisela Bellsolà) / 2. El cavaller (Segimon Serralonga/Gisela Bellsolà) / 3. Vent de la tarda (Josep Sebastià Pons/Gerard Méloux) / 4. És pura i sense nom (Josep Sebastià Pons/Gerard Méloux) / 5. Combat (Jordi Pere Cerdà) / 6. Vam partir tots cinc (Segimon Serralonga/Gisela Bellsolà)

Gisela Bellsolà (Baó, 1947) és una cantant rossellonesa que arriba a la Cançó procedent del món del teatre. El seu primer àlbum (Salut amb la poesia) recull una sèrie de poemes d'autors nord-catalans (Joan Morer, Jordi-Pere Cerdà, Joan Cayrol i Gerard Salgas) musicats per Jordi Barre, Miquel Maldonado, Ray Samson i ella mateixa.
L'any 1981 realitza un ambiciós projecte: el disc i espectacle Bikini, el foc dels oceans, cantata escrita per Gerard Salgas (text) i Miquel Maldonado (música), que interpreta acompanyada pels quaranta músics de l'Orquestra de Cambra de Perpinyà i els trenta-cinc cantaires del Conjunt Polifònic de Perpinyà.
El seu darrer LP, fins ara (País Catedral, 1987), torna a ser un recull de poemes musicats de Jordi Pere Cerdà, Mònica Bellsolà, Joan Morer, Josep Sebastià Pons, i de dos poetes de la Catalunya del Sud: Maria Mercè Marçal ("Velles corrandes per a la Pepa", "Anna marinera") i Segimon Serrallonga ("La fugida", "El cavaller", "Vam partir tots cinc"). L'any 1995 col•labora en l'espectacle de Rafael Subirachs Cançó de la terra, basat en textos de Jacint Verdaguer.
També ha participat en tres discos de Gerard Zuchetto, centrats en temes tradicionals i cançons de trobadors, el darrer dels quals ha rebut el premi de l'Acadèmia Charles Cros

 

Juan Varea & Pedro Soler

CANTE FLAMENCO
Al Sur ALCD 165

Juan Varea: chant
Pedro Soler: guitare flamenca


Enregistrements 1982 :
Fandangos / Peteneras / Seguiriyas / Alegrias / Malagueñas / Buleria por soleá / Cartageneras / Soleares / Fandangos del Gloria
Enregistrements 1983 :
Malagueña / Tientos / Soléa / Seguiriya / Canción

Enregistré en 1982 (1 à 9, déjà édité sur un LP Le Chant du Monde LDX 74782) et 1983 (10 à 14, Inédits) au studio Wolf Biermann (Hamburg) par Michael Ernst.


Juan Varea Segura est né à Burriana (Castellón) en 1908 et il meurt à Madrid en 1985. Il passe son enfance à Barcelone où il s’initie au chant dans le fameux tablao de Miguel Borrull. Vite remarqué par les chanteurs de passage, il fait ses débuts avec Manuel Vallejo (Clef d’Or du chant flamenco) et le suit à Madrid où il rencontre le "Maître des Maîtres" : Don Antonio Chacón. Il remporte le Concours de Madrid au Teatro Monumental et enregistre, en 1930, son premier disque accompagné par Ramón Montoya.
Une grande amitié le lie à Manuel Vallejo, à la Niña de los Peines, Thomás Pavón ainsi qu’au mythique "Niño de Gloria". Alors qu’il chante un des célèbres "fandangos del Gloria" lors d’une réunion privée à la Villa Rosa, Juan rencontre le chanteur d’une façon curieuse. La porte s’ouvre brutalement, un homme crie : "Qui a chanté ça ?" et le jeune Varea effrayé répond par un "C’est moi monsieur". El Gloria l’embrasse et le félicite … Ils feront ensuite la fête toute la nuit, Juan fume énorme cogare sur énorme cigare et se jette au petit matin sur son lit, épuisé par le vin et la nuit agitée, un cigare allumé à la bouche, il faillit périr dans l’incendie qu’il provoqua dans la pension où il logeait …
La guerre civile le trouve du côté des Républicains. Prisonnier à Zamora il est sauvé par un ami torero.
En 1942 il part en tournée, d’abord avec Conchita Piquer, puis avec Pepe Marchena, Manuel Vallejo et les guitaristes Ramón Montoya et Niño Ricardo et ensuite, successivement avec Juanita Reima et Vicente Escudero. Il enregistre alors un disque historique accompagné par Niño Ricardo.
Zambra, temple du flamenco à Madrid l’engage comme chanteur vedette, il y restera de 1954 à 1975, année de la fermeture. Il se produit ensuite aux U.S.A. et en France, fait une tournée avec Isabel Soler et Pedro Soler avec qui il enregistre son dernier disque en 1982, et, l’année suivante, en Allemagne, les inédits publiés ici avec notamment, et, comme un clin d’oeil à ses débuts, cette ‘cancion’.
Le disque a été enregistré à Hambourg chez un ami chanteur et écrivain allemand, Wolf Biermann, qui possède un studio d’enregistrement. Quand nous partions en tournée, à chaque concert Juan Varea rerouvait un peu plus de voix, si bien qu’il s’est décidé à enregistrer un disque. La prise de son, réalisée par Michael Ernst, s’est faite en deux heures : une seule prise pour chaque ‘cante’, Juan ne réécoutant pas prenait juste le temps de fumer une cigarette de temps en temps …
Grande figure du cante flamenco, Juan Varea fut unanimement admiré et aimé par les aficionados les plus exigeants ainsi que les artistes les plus éminents, ses pairs. Seuls quelques entendidos intégristes ont regretté l’énorme succès qu’il a eu en chantant les ‘canciones aflamencada’, chansons de style flamenco au goût de l’époque, comme les ont chantées nombre de grands tels que Pepe Marchena, Manolo Caracol et d’autres … Cela ne l’a jamais empêché d’être un des plus nobles cantaores, des plus cabales dans son chant profond. Cette noblesse il la portait en lui, une sorte de sagesse et de respect des autres, rares dans le monde du flamenco. Parmi les éloges dont il a été l’objet toute sa vie on peut citer Anselmo Gonzalez Climent qui dit : "Le chant est pour lui sur le plan objectif une entité sacramentale et dans le subjectif un instrument brûlant, enivrants. Il respecte les formes mais les habite, les ravive, les emporte dans le torrent de son individualité." Manuel Rios Ruiz commente : "Dans sa voix, il n’y a pas de stridences, il ne se réfugie ni dans le cri plus ou moins truqué ni dans le quejio, la plainte à outrance … Il est équilibre, justesse, naturel … Il interprète tous les styles avec dévotion et maestria …"
Durant les quinze années où nous avons travaillé ensemble Juan Varea ne s’est jamais départi de sa courtoisie, de son humour et de son intérêt pour tout ce qui l’entourait. Fumeur incurable, il n’allumait jamais une cigarette dans la voiture qui nous amenait d’une ville à l’autre, et attendait, par respect pour les autres la ‘halte cigarette’ convenue. Il ne s’est jamais séparé non plus de son angoisse avant d’entrer en scène, quel que soit le public, face à sa propre exigence intérieure et à sa responsabilité de chanteur dépositaire de l’art flamenco.

Concertgebouw Brugge le 26/12/2008 © Stefe Jiroflée

 

Pedro Soler
SOMBRAS
Al Sur ALCD 106

Pedro Soler: guitare flamenca
Violetta, José Lorenzo, Pepe Luiz, palmas sur #

1. Aire Serrano (serrana) / 2. Aljibe Arabesco (granaina) / 3. Cantiña del Pelele (cantiña) / 4. Luna Callada (por tientos) / 5. Flor del Caribe (guajira) / 6. Noche Oscura (seguiriya) / 7. En Los Patiós # (sevillanas) / 8. Cañas del Genil (garrotin) / 9. Oración Minera * (rondeña) / 10. Sombras del Atardecer (soleares) / 11. Cuna de Mimbre (Nana Flamenca)

1, 2, 3, 4 & 8 : traditional arrangement Pedro Soler / 5, 7, 9, 10 et 11 : composition Pedro Soler / Pedro Soler joue sur une guitare Santos Hernandez 1929 sauf * guitare Alejandro 1989

Enregistré par Jocelyne Le Menach et Vincent Gasco (Radio France Roussillon) en l’Eglise Romane de la Rectorie à Banyuls-sur-Mer, sauf # au studio Redstart à Perpignan, en juin 1992

 

Enrique Orozco & Pedro Soler
CANTAOR SEVILLANO
Al Sur ALCD 115

Enrique Orozco: chant
Pedro Soler: guitare flamenca

Serranas / Malagueñas / Peteneras / Aires de Madrid / Granainas / Verdiales / Tarentas / Fandangos / Tientos / Garotin / Solearillas

Enregistré par Michel Pagiras au Centre Culturel de Paradas (Province de Seville) en juin 1993, mixé par Clement Ziegler.

Enrique Orozco Fajardo
Natural de Olvera (Cádiz), 1912. Cantaor. Se inició en Sevilla, donde vivió desde niño. En 1932, realizó su primera gira por pueblos de la provincia sevillana. Debutó en el Kursaal Olimpia de Sevilla, en 1934. Al año siguiente realizó una gira con Manuel Vallejo por toda España, volviendo de nuevo, en 1936, al Kursaal Olimpia, desde donde se trasladó a Madrid, para participar en el Certamen Nacional de Cante Flamenco, organizado en el Circo Price, donde obtuvo un segundo premio por fandangos, formando parte a continuación de un elenco creado con todos los artistas premiados en el referido certamen, iniciando un recorrido por la geografía española, que quedó truncado en Jaén, al estallar la guerra civil. Retorna a Madrid, en los años cuarenta y frecuenta las reuniones de cabales del Colmao Villa Rosa, con esporádicas actuaciones en público, una de ellas en 1948, en el Teatro Fuencarral, junto a José Cepero y Jacinto Alrnadén. Viajó a Francia en 1955, donde actuó en los tablaos parisinos La Puerta del Sol y El Catalán, así como en el Teatro de las Naciones y en la Universidad de la Sorbona. Regresó a Madrid y actuó en la Parrilla del Alcázar madrileño, en 1961. Al año siguiente se presenta al concurso del festival Nacional del Cante de las Minas de La Unión, obteniendo el primer premio. También ganó, en 1964, el premio de cartageneras el 1º Concurso de Cartageneras. Ese mismo año trabajó con Marchena en el espectáculo Alarde flamenco. Después de otra larga etapa frecuentando las fiestas íntimas en las ventas madrileñas, actúa en 1982, en el Café de Cante Silverio de Madrid, significando un descubrimiento para la nueva afición, siendo contratado para la 1ª Cumbre Flamenca de Madrid y realizando una gira con una representación artística de este festival por varias ciudades españolas y alemanas. E igualmente con el elenco Los últimos de la fiesta, actúa en los festivales andaluces. De nuevo participa, en 1985, en la II Cumbre Flamenca de Madrid, en el Teatro Alcalá Palace, y en las Noches Flamencas del Círculo de Bellas Artes madrileño, como así mismo en la Bienal de Arte Flamenco Ciudad de Sevilla, en 1986. Su discografía, aunque no muy amplia, iniciada en 1935, es de interés. Su repertorio es largo, destacando por malagueñas, granaínas, tarantas, cartageneras y fandangos, estilos a los que aporta personalidad y una musicalidad sensible y sumamente bella. En 1987. la Cátedra de Flamencología de Jerez de la Frontera, le otorgó el Premio Nacional a la Maestría.

 

Flamenco & Musique Soufi Ottomane
L’ORIENT DE L’OCCIDENT Hommage à Ibn Arabi Sufi de Andalucia
imaginé par Kudsi Erguner
Al Sur ALCD 131


Yusuf Bilgin: chant
Kunsi Erguner: ney
Mehmet Emin Bitmez: ûd
Tamer Pinarbasi: kanun
Enrique “el Extremeño”: chant
Pedro Soler & Salvador Gutiérrez: guitare flamenca
Bruno Caillat: percussions


El Sol del Amor / La Noche de la Contemplación / El Alba de la Unión / Soléa / Malgueña / En los Jardines de Granada / Sama / Unión de las Almas

Enregistré par Daniel Sobrino et mixé par André Voltz au studio Cargo (Motreuil) en avril 1994.

Kudsi Erguner (ney)
Kudsi Erguner, né en 1952, est l'héritier d'une famille de musiciens soufis d'Istanbul. Remarquable joueur de ney (longue flûte répandu dans toute l'aire arabo-ottomane-persane), il vit et travaille depuis une vingtaine d'années entre Paris et Istanbul. Sa rencontre avec Peter Brook, pour le Mahabharata, ses expériences musicales en Turquie (musique ottomane, tsiganes turcs etc.) et hors de Turquie (Inde, Iran) témoigne d'une ouverture et d'une originalité dans la démarche musicale. Nul mieux que lui n'a exploré l'héritage musical turc et n'en a actualisé le potentiel entre Occident et Asie. Sa discographie est importante, en France notamment.

 

Pedro Soler & Renaud Garcia-Fons
SUITE ANDALOUSE pour contrebasse et guitare flamenca
Al Sur CDAL 137


© archives Pedro Soler

Pedro Soler: guitare flamenca
Renaud Garcia-Fons: contrebasse

Puente de Triana (Soler/Garcia-Fons) / Azahar Malagueño (Soler/Garcia-Fons) /Noche Gaditana (Soler/Garcia-Fons) /Madrugada (Garcia-Fons) / Caminos (Soler) / Cante del Guajiro (Soler/Garcia-Fons) / Gitanet (Garcia-Fons) / Sentir Farruco (Soler/Garcia-Fons) / Barrio de Santiago (Soler/Garcia-Fons) / La Unión (Soler/Garcia-Fons)

Enregistré par Romain Friydman au Studio Cargo (Montreuil) en septembre 1994

Info Renaud Garcia-Fons: http://www.renaudgarciafons.com

Renaud Garcia-Fons & Pedro Soler © Pierre Parce

 

Yusuf Bilgin, Pepe de Granada, Kudsi Erguner, Pedro Soler, Georges Kazazian, Renaud Garcia-Fons & Keyvan Chemirani
LE CONCERT DE NANTERRE
Al Sur ALCD 242

Yusuf Bilgin & Pepe de Granada: chant
Kunsi Erguner: ney
Pedro Soler: guitare flamenca
Georges Kazazian: ûd
Renaud Garcia-Fons: contrebasse
Keyvan Chemirani : percussions


1. Petenera (chant: Pepe de Granada) / Tiento (chant: Yusuf Bilgin & Pepe de Granada) /
2. Levante (Renaud Garcia-Fons / chant: Yusuf Bilgin) / Cartagenera (chant: Pepe de Granada) 3. Danse du Vent (G. Kazazian) / 4. Bulerias (Pedro Soler / chant: Pepe de Granada) /
5. Dialogue (chant: Yusuf Bilgin & Pepe de Granada) / 6. Bulbul (K. Erguner / chant: Yusuf Bilgin) / 7. Dolores (K. Erguner & P. Soler / chant: Yusuf Bilgin & Pepe de Granada)

Enregistré à la maison de la musique de Nanterre le 21 octobre 1997 et mixé au Studio Vrémond par André Voltz en juin 1998.
Victime d’un accident de voiture, une nuit du Printemps 1998, Yusuf Bilgin nous a quittés … Lui qui chantait : « Il n’est de peine qui ne puisse se guérir Ni d’œuvre qu’on ne puisse achever. »

Pedro Soler & Beñat Achiary
PRES DU CŒUR SAUVAGE …
Al Sur CDAL 252

Beñat Achiary: chant, bambous
Pedro Soler: guitare flamenca

1. Tu infancia en Menton (F. G. Lorca : extrait de Poeta en Nueva York/ Achiary-Soler)
2. Y después (F. G. Lorca : Poema del cante jondo 1921 / Achiary-Soler)
3. Poema doble del lago Eden (F. G. Lorca : extrait de Poeta en Nueva York / Achiary-Soler)
4. Jantzi egokia, bai, baina (J.A. Artze / Achiary-Soler)
5. Petites valses viennoises (F. G. Lorca : extrait de Poeta en Nueva York / Achiary-Soler)
6. Cantico espiritual ((St. Jean de la Croix : extrait de Poésies Complètes / Achiary-Soler)
7. Chant d’exil (B. Achiary) / 8. Seguiriya (Pedro Soler)
9. Jauregi Hotzean (Jon Mirande : extrait Ene Jainko – Eidol Zabarra, lur! / Achiary-Soler)
10. Tio Vivo (F. G. Lorca : extrait de Canciones 1921-1924 / Achiary-Soler)
11. Nana – Arratia ibarreko sehaska abestia (traditionnel, berceuse de la vallée d’Arratia en Bizkaia / Achiary-Soler)
12. Sonnet (Mientas por competir) (Luis de Gòngora / Achiary-Soler)
13. Xoxo beltz bat (traditionnel)
14. !Son de negros en Cuba ! (F. G. Lorca : extrait de Poeta en Nueva York / Achiary-Soler)
15. Ode maritime (F. Pessoa : Alvaro de Campos – Odes maritime et autres poèmes, traduit du portugais par Dominique Youati et Michel Chandeigne / Achiary-Soler)


Enregistré à la maison de la musique de Nanterre le 8 octobre 1998 par André Voltz et au CCAM de Vandoeuvre les 11 et 12 décembre 1998 par François Dietz.

Chacun de ces deux artistes accompagnera l’autre. Achiary, chanteur basque hors du commun, vit les poèmes, les textes, le lyrisme qu’il chante et interprète à sa façon. Il puise ses inflexions dans la tradition populaire de sa région, il développe toujours plus avant une exemplaire quête d’universalité. Il faut l’entendre... Son chant rappelle l’écho des vallées ou le murmure des sources. Pedro Soler est l’un des meilleurs guitaristes de Flamenco de notre temps. Il a épanoui son art de la guitare en accompagnant les plus grands chanteurs comme Pepe de la Matrona ou Miguel Vargas et les plus grandes danseuses : Carmen Amaya, la Chunga, la Joselito. Pedro Soler s’est produit dans le monde entier.
Le chant hors-normes de Beñat Achiary plein d'audace et de plénitude tend vers une universalité qui n'a d'égale que l'étendue des domaines musicaux qu'il aborde : de la tradition basque à la musique improvisée, sa silhouette tranquille se rencontre partout où l’on confronte tradition et création, identité et diversité. C'est à la guitare de Pedro Soler, guitariste de génie et virtuose du flamenco, que se marie sa voix pour vous offrir une "mise en musique" de grands poètes (Lorca, Pessoa…). Entre poésie, musiques du monde, et musique improvisée, ce CD est sans conteste d'une émotion rare.

Beñat Achiary est un chanteur hors gabarit. D'origine Basque (né à Saint-Palais), son chant est physique et total, né dans les traditions et dans l'histoire du peuple Basque. Toujours fidèle à ses origines il n'est cependant pas limité par les purismes ou dogmes de la tradition. Avec son goût pour l'exploration, l'improvisation, l'imaginaire, il dépasse les frontières reconnues de la musique traditionnelle et donne une vitalité neuve aux chants de son pays natal (et d'ailleurs). Avec son âme de poète, Beñat confronte (et confond) son publique avec l'inattendu. Sa voix s'envole à travers tous les registres. Son répertoire est éclectique et inclut chants et textes de tous les coins du monde qu'il interprété avec la liberté provocatrice d'un artiste contemporain. Habitué aux salles de concert internationales, il collabore avec, musiciens improvisateurs, comédiens, écrivains et danseurs. Il a enregistré plusieurs CD.

"Après avoir r§vé chanter aux côtés de Pedro Soler, de nombreux travaux nous ont approchés notamment ce formidable ‘Poète à New-York’ avec Bernard Lubat aux claviers.
Près du cœur sauvage est une aventure différente, comme un dialogue intime de cette simplicité des sources venues de loin et qui, parfois murmurent des sons troublants sous des halliers secrets … Mais parfois, cette musique prend les violences et les caresses des grands vents … Elle a cette intimité exacte et audacieuse des mots d’amour brûlants … Elle palpite de cette proximité inassouvie des lèvres et de l’âme. Temps précieux, suspendu … Courses en quête d’absolu comme le cerf bramant sur la colline dont parle Lorca en pensant à Saint Jean de la Croix … De confidences arrachées, elle se fait posséder par la transe des danses sauvages et de haute science. Les grands poètes peuplent ces territoires … Gòngora, Lorca, Pessoa et les basques, Artze, Casenave, …" Beñat Achiary

photo © Ramon Lopez

 

Ravi Prasad & Pedro Soler
RAVI PRASAD & PEDRO SOLER
Al Sur CDAL 253

Ravi Prasad: chant, percussions, flûte
Pedro Soler : guitare flamenca

1. Gayatrirag (texte traditionnelle, musique Prasad) / 2. Bodas de naja (Prasad)
3. Ka,jira Farruca (Soler) / 4. Srushti (texte Prasad, musique Prasad/Soler)
5. Tempura minera (texte traditionnelle, musique Prasad/Soler
6. Kuruvi Kkaran (Prasad) / 7. Rupak – Tal de Fiesta (Soler)
8. Du Gange au Guadalquivir (Prasad) / 9. Tchaplamkatta (Prasad)

Enregistré au studio des Fontenelles en février 1999 par Steve Shehan. Mixé au studio Vrémond par André Voltz en avril 1999.

Ravi Prasad, born in the southern province of Kerala in India; entered University as a Chemistry student only to perform in an end of year college show and never to return to Chemistry. He went to study Indian classical music at the Central Carnatic College, Madras and after receiving his diploma Ravi went on serve an apprenticeship in music, theatre and choreography, performing with some of the most prestigious artists in India. When Ravi arrived in France he quickly became involved in different branches of music, from Jazz to electro-acoustic. He gave a great number of concerts with artist such as Bernard Lubat, Nana Vasconcelos, Giovana Marini and the guitarists Gerard Marais and Pedro Soler. In the early 90's he created the Padhani Ensemble, comprising twelve singers with whom Ravi developed the concept of "Indian polyphonic music". He then went on to sing with the trombone player Philippe Renault and pianist Guillaume de Chassy. This trio "Ithal",was loosely constructed around jazz, Indian music and the harmonic thinking of Claude Debussy. Ravi has been touring Europe and India performing with the Chopinot Dance Company, one of France's the most successful companies. Amazingly Ravi has also found time to write and record the very first Indian symphony entitled "MYTHIA".

© Pedro Soler

 

Pedro Soler
LUNA NEGRA
Nord-Sud Music NSCD 1132

Pedro Soler : guitare flamenca

Candil de Almadén (Taranta) / Luna negra (Soleá) / Farruca milonguera (Farruca) / Rosales gaditanos (Rosas) /Bella judia (Petenera) / Carmen Joselito (Zapateado al golpe) / Campos de Sevilla (sevillanas) / Flor de sal (Alegria)

Enregistré au studio des Vremont (Fourques – P.O.) en mai 2004 Michel Pagiras et mixé au studio Vrémond en juin 2004 

La Joselito & Pedro Soler – photo archives Pedro Soler

“Carmen Joselito” est dédié à La Joselito, danseuse de l’âge d’or du flamenco : elle a pratiquement traversé le siècle de bout en bout. Pedro a joué pour elle pendant plus de quarante ans et pour évoquer l’âme de sa danse et revoir ses talons s’envoler sous ses doigts, il a développé l’usage du "golpe" (coups d’ongles sur la guitare) en écho à son zapateado.

"Sechs Sinne des Flamenco"
‚Ich mag keinen hektischen Flamenco, der lediglich dazu dienen soll, die Technik der Tänzer zu unterstreichen.’ Statt dessen lässt Pedro Soler seine Melodien langsam entstehen, sie erwachsen aus einer sinnlichen Symbiose zwischen seinen Fingern und der Gitarre. ‘Pedro Solers Finger sind die fünf Sinne der Gitarre’, schrieb der Literat Miguel Angel Asturias.
Sein sechster Sinn ist die Erfahrung. Pedro Soler wurde 1938 geboren, und Flamenco spielt er schon seit seiner Jugend. An seiner Technik feilte er durch die Beobachtung und Anleitung einiger der größten Flamencogitarristen Spaniens, einer kleinen exquisiten Gruppe, zu der er inzwischen längst selbst auch zählt.
‚Luna negra’ heißt sein neues Album, auf dem er wiederum die sinnlich verspielte, oft sehr leise vorgetragene Vision seines Flamenco ausbreitet. Tatsächlich sind die acht Stücke, allesamt von ihm allein an der Gitarre instrumentiert, gefühlvolle, manchmal gar introvertiert wirkenden Kompositionen eine Überraschung jeden, der mit Flamenco bislang vor allem das Donnern der mit Nägeln beschlagenen Absätze der Tänzerinnen und Tänzer, klappernde Kastagnetten und dramatischen verband.
Fast verträumt wirken manche Stücke, zärtlich und voller Bewunderung, etwa für Carmen Joselito, die Tänzerin, mit der er über lange Jahre zusammen arbeitete, und der er einen Titel auf ‚Luna negra’ widmet. In seiner Musik erwacht ihr Tanz zu neuem Leben, und es scheint, als realisierte er die traditionelle Einheit aus Gitarre, Gesang und Tanz praktisch im Alleingang: Wenn nämlich seine Finger in leidenschaftlicher Virtuosität über die Saiten tanzen, dann entsteht auch daraus eine Art Gesang, der keiner weiteren Sprache bedarf.”
Michael Frost on http://www.cd-kritik.de, 02.07.2005

"Ich mag keinen hektischen Flamenco, der lediglich dazu dienen soll, die Technik der Tänzer zu unterstreichen. Flamenco ist eine Welt des Ausdrucks, eine außergewöhnliche Musik, irgendwo zwischen Orient und Okzident angesiedelt. Ein bisschen wie der Blues, ist er der Ausdruck der menschlichen Seele."
In diesem Fall ist der Flamenco der Ausdruck der Seele von Pedro Soler. Der Altmeister, geboren 1938, veröffentlicht mit "Luna Negra" ein Solowerk mit acht Gitarrenstücken. Es sind im Grunde musikalische Gedichte, denen man vierzig Jahre Bühnenerfahrung anhört. Formal an die Grundmodelle des Flamenco angelehnt, von "Soleá" bis zu "Sevillanas" bringt er seine Formel mit einem Shakespeare-Sonett auf den Punkt: "Vestir palabras viejas en nuevo modo es todo mi arte, usando lo que esta ya usado."Das benutzen, was sowieso schon immer da war, mit Wasser kochen, um dabei trotzdem alles immer wieder neu zu machen. Weniger ist mehr: Zwar lässt er zwischendurch aufblitzen, wozu er spieltechnisch in der Lage ist, dann kommt ein gehauchtes Tremolo, technisch einfach perfekt, aber meist sind es die ruhigen Stellen, schlicht und anmutig, die seinen Stil ausmachen. Diese Musik hält die Zeit an. Sie schwebt im Augenblick. Ganz toll! Peter Backof - http://www.discover.de - Juni 2005

“Jenseits exhibitionistischen Virtuosentums bewegt sich Pedro Soler auf seinem Solo-Album ‘Luna Negra’. Flamenco wird hier nicht als Zurschaustellung van Fingerfertigkeiten betrieben, eher als akustisches Stilleben, zu dem unwillkürlich Bilder von ausgetrockneten Serras und einsamen Dörfern in der Mittagshitze vors innere Auge treten.”
Jazzthing, September/Oktober 2005

“Pedro Soler ist ein Vertreter der langsamen Spielart des Gitarren-Flamencos. Für ihn dient seine Musik nicht dazu, die Technik von irgendwelchen Tänzerinnen zu unterstreichen. Die 8 Tracks stehen vielmehr für die Ausgeglichenheit und die Ruhe, die Flamenco ausdrücken kann. Er erklärt: ‚Luna Negra ist ein Album der Reife und des Wohlgefühls. Ich versuche mit meinen Kompositionen wie beim Blues die Gefühle der menschlichen Seele auszudrücken.“
Ute Bank in inMusic, Nr. 4/2005 ***

„Hektik ist nicht unbedingt sein Ding. Mit Musik versucht Pedro Soler so etwas wie Gediegenheit zu vermitteln. Erneut gelang dies auch durch leise Flamenco-Stücke auf der CD ‚Luna Negra’. Leidenschaft lebt bei dem Südländer vor allem durch den Faktor Zeit. Denn der 1938 geborene Soler verbindet mit dieser Gabe sein bestechendes Gitarren-Spiel. Es ist formlich bei jedem Stück zu spüren. Und dabei werden durchaus vorhandene Fähigkeiten bewusst nur spärlich eingestreut. Dadurch soll die Echtheit dieser Stilform bewahrt werden. Irgendwie schreit die CD nach Entspannung. Sie lädt zur Besinnung ein. Vier Jahrzehnte bereiste der Spanier auf leisen Pfaden die Bühnen unseres Planeten. Die stets mitfahrende Gelassenheit verpflanzte der Virtuose auch auf die CD. Denn nicht zu leugnende Zwischentöne verdrängen das Chaos des Alltages in die Nische. Dort erwartet uns eine wunderbare Welt zum Innehalten und Abschalten. Insgesamt acht Titel haben somit ihren Zweck erfüllt. Als Konsument kann man sich nichts anderes wünschen.“
Roby in Freie Presse, August 2005 ***

„Ruhe strahlt sie aus, diese CD von Pedro Soler. Fast siebzig Jahre ist er alt, und seinem Spiel sprechen Reife und Erfahrung. Er hat es nicht mehr nötig, durch halsbrecherische Skalen Eindruck zu schinden. Der Gitarrist möchte mit seiner Musik Wohlgefühl vermitteln. Das merkt man dieser CD an. Meditativ und entspannt perlen Akkorde und Melodien aus der Hand des Meisters. Soler war jahrelanger Begleiter von Tänzern und hat es gelernt, zurückhaltend zu spielen und sich nicht in den Vordergrund zu stellen. Bei den acht Titeln dieser CD, die traditionelle Tänze, wie ‚Taranta’, ‚Farruca’ oder ‚Soleá’ vorstellen, könnte man sich deswegen gut noch ein zusätzliches Solo-Instrument vorstellen. Das Spiel Solers ist sehr akkordbetont, er entwickelt wenig Melodien, sondern konzentriert sich eher auf die harmonischen und rhythmischen Prinzipien der Musik. Diese nüchterne Strenge, die Purheit seiner Flamenco-Interpretationen hat durchaus ihren Reiz. Auf jeden Fall fasziniert die technische Vollkommenheit Solers, der es versteht, seine Golpes meisterhaft mit Akkordspiel zu verweben. Eine CD, die jedem Liebhaber des traditionellen Flamenco zu empfehlen ist.“
Ahmed El-Solomouny in Akustik Gitarre, 5/2005

„Der Name Pedro Soler weckt bei mir persönlich musikalische Jugenderinnerungen. Meine allererste LP mit Flamencogitarrenmusik, erschienen Ende der 70er Jahre bei Le Chant du Monde, stammte von ihm. Der 1938 geborene Soler gehörte nie zu den spektakulären Highspeedtechnikern des Genres und wird doch von Kennern als Meister des Instruments verehrt. Er ist Zeit seines Lebens weniger Solist als aufmerksamer und leidenschaftlicher Begleiter gewesen. So hat er z.B. seinen Entdecker und Mentor, den Sänger Jacinto Almadén, bis zu dessen Tod im Jahre 1968 auf Konzerttourneen um die ganze Welt begleitet gewesen. Mit dem Zapateado ‚Carmen Joselito’ verneigt sich Soler vor einer der Grandes Dames des Flamenco, der Tänzerin ‚La Joselito’. Mehr als 40 Jahre hat er für sie gespielt, ebenso lange wie Soler als Gitarrist auf der Bühne steht. Er selbst nennt Luna Negra ein Album der Reife und des Wohlgefühls. Er verabscheut ‚hektischen’ Flamenco. Soler gehört zu der aussterbenden Spezies von Künstlern, die den flamenco puro in meditativer Gelassenheit und nüchterner Klarheit und Strenge vortragen. Pedro Solers hat reinigenden Charakter. Hier leuchtet die Seele des Flamenco in stiller Tiefe auf.“
Rolf Beydemüller in Folker !, 5/2005

„Der schwarze Mond und Pedro auf der Gitarre als Solist. Seine Finger sind die 5 Sinne der Gitarre, die damit sehen, hören, singen, fühlen und sprechen kann.
Der Flamencomeister Pedro Soler ist einer der berühmtesten Musikanten des Goldenen Alters. Er ist Meister der Gitarre und spielt für berühmten Tänzerinnen, bleibt für alle Musikrichtungen offen, spielt mit Atahualpa Yupanqui, nimmt mit den Brasilianern Nonato Luiz oder Maria Bethania auf und arbeitet mit der Griechischen Sängerin Angélique Ionatos, dem Basken Beñat Achiary und dem Inder Ravi Prasad. Vierzig Jahre auf der Bühne, 1938 geboren, ist seine volle Leidenschaft gereift und oft wegen der Reinheit mit Diamanten verglichen worden. Freude und Leid des andalusisches Folkes kommen gut zum Ausdrück. Flamenco ist eine Welt des Ausdrucks, eine aussergewöhnliche Musik, irgendwo zwischen Orient und Okzident, wie der Blues Ausdruck der menschlichen Seele zwischen Traum und Wirklichkeit.“ Folkmagazin #260, 4/2005

Beñat Achiary, Pedro Soler, Inès Bacan, Majid Bekkas & Ramon Lopez

 

LA CITÉ INVISIBLE - RENCONTRE À CASABLANCA
Nord-Sud Music NSCD 1115

Inès Bacan: chant
Benat Achiary: chant
Majid Bekkas: chant - guembri
Pedro Soler: guitare
Ramon Lopez: drums

Nekcha (Majid Bekkas) / Nawana (Majid Bekkas) / Fragua y desierto (Martinete) / Jondo (Siguiriya – trad. Achiary) / Larache – Aïcha (Tangos) / Llamo de Amor Vivo (Achiary/Soler) / Muero Porque No Muero (Achiary/Soler) / Tras de un Amoroso Lance (trad. Achiary) / Leire (trad. Achiary)

Ce disque est le fruit d(un travaille en résidence et d’un concert donné à l’Institutfrançais deCasablanca le 27 septembre 2002.


Casablanca : "La cité invisible"

Xavier Matthyssens, notre collaborateur et ami, a disparu l'été dernier. Il était l'âme des Rencontres musicales de Casablanca, auxquelles il s'était totalement dévoué. La deuxième édition de ce festival, fin septembre, était l'occasion, pour tous ceux qui l'avaient côtoyé, de lui rendre hommage au travers d'un spectacle qui lui était entièrement dédicacé, "La Cité Invisible". Isabelle, la sœur de Xavier, nous a fait parvenir ces quelques notes, traces fugitives d'un événement forcément unique.
Le concert «La Cité invisible» a eu lieu le 23 septembre 2002 à l'Institut Français de Casablanca, en hommage à Xavier Matthyssens, créateur et directeur artistique des Rencontres musicales de Casablanca. Suite à la disparition brutale de Xavier, en accord avec sa famille, ses amis, et tous les partenaires du festival, Les Rencontres musicales de Casablanca ont donné la priorité à «La Cité invisible».
Née de la résidence d'artistes européens et marocains, et de la répétition publique qu'ADENS et l'Institut Culturel Français de Casablanca ont organisé en avril 2002, « La Cité invisible» mêle voix basque, flamenca et gnaoui. Cette création était placée sous la direction artistique du chanteur basque Beñat Achiary, entouré de Inès Bacan, Abdelmajid Bekkas, Pedro Soler et Ramon Lopez.

« Je vois le concert comme un voyage. Un centre de nous-mêmes.» (Beñat Achiary)

Visions multiforme, multi sens, vision interplanétaire où se mêlent voix, sons, images et textes. Images symboliques et virtuelles sur un chemin de terre, d'eau, et, de lune. Chemins entrecoupés de la douleur d'un enfantement d'un soi nouveau, aéré des douleurs enfantines. Matrice sectionnée sur laquelle court un cheval fou, multi solaire. Matrice recréée dans la recherche de soi et l'attente de l'ami réinventé. Chemins de croix, épuisement de l'attente, alanguissement de l'être retrouvé. Grincement d'une porte qui s'ouvre et se ferme pour donner naissance à une lumière nouvelle.

« C'est là où nous conduisent nos chants d'amour violents et tendres. » (Beñat Achiary).

Ne pas chercher à comprendre, sentir tout simplement : un message d'espoir simple que nous a livré «La cité invisible».

Mais un message semé d'embûches si le corps ne renaît pas des cendres de l'esprit. Car, pas à pas, sonorités enchaînées les unes aux autres, nous avançons vers cette luminosité qui nous aveugle et nous rend à nous-mêmes. Tel est sans doute le sens initiatique de « La Cité invisible » que nous ont livré les voix d'Inès Bacan, Beñat Achiary, Majid Bekkas, entremêlées à la batterie de Ramon Lopez et aux fluidités de la guitare de Pedro Soler. Portes tour à tour entrouvertes, refermées, miroirs de l'en-deçà qui ne cessent de dire adieu pour que, sur la rive, chacun chavire, et, dans un élan d'infini se repose pour s'envoler plus haut.

Beñat, Pedro, Inés, Majid & Ramón – photo Ramon Lopez

Rencontres musicales de Casablanca
L’adieu à Matthyssens

Les Rencontres Musicales de Casablanca (RMC) seront réduites cette année à la seule présentation de la création collective «la cité invisible». La décision a été prise par les organisateurs de RMC suite au décès de Xavier Matthyssens, créateur et directeur artistique de ses rencontres, à quelques semaines du lancement effectif de l’édition 2002.

«La cité invisible» sera perceptible à l’Institut français de Casablanca le lundi 23 septembre, au théâtre 121. C’est le fruit d’une collaboration d’artistes européens et marocains et des répétitions qu’ADNES (Association de Développement des Echanges Nord Sud) et l’Institut français de Casablanca ont organisées en avril 2002. Le spectacle mêle voix basque, flamenco et gnaouie.

La direction artistique du spectacle a été confiée au chanteur basque Beñat Achiary (France) avec une équipe composée d’Ines Vacan, Abdelmajid Bekkas, Pedro Soler et Ramon Lopez.


Héritage
C’est le résultat de la rencontre de trois cultures, riches d’un héritage musical indéniable. D’abord, La musique basque avec le chanteur Beñat Achiary qui compte à son répertoire plusieurs interventions auprès de certains acteurs les plus importants de la musique improvisée européenne actuelle. Ensuite, le Flamenca, avec la chanteuse andalouse Inès Bacan, dont le frère Pedro Bacan fut l’une des figures marquantes. Elle sera accompagnée dans ce spectacle par le guitariste Pedro Soler qui a aussi fait ses preuves auprès de grands musiciens du calibre de Pepe de la Matrona et Enrique Morente. Enfin, la musique des gnaoua boucle ce trio musical, avec une participation signée Abdelmajid Bekkas. Le musicien marocain est parvenu à donner un cachet exceptionnel à la musique gnaouie. Son répertoire puise dans l’héritage de la musique locale, remonte aux origines, en multipliant les recherches dans les pays subsahariens et surtout en s’ouvrant sur les vertus de la world musique, dans des compositions fort originales.
Un bel hommage à celui qui a semé les graines d’un festival remarquable et récolté un tempo unique en son genre.


"Le chanteur et compositeur basque Beñat Achiary compte parmi les figures les plus singulières des scènes européennes. En effet, qui d’autre que lui peut à la fois jouer le rôle principal d’une pièce de Tolstoï, « Le Cadavre Vivant », mise en scène par Julie Brochen, au Théâtre de l’Aquarium (Paris), poursuivre une carrière de professeur au Conservatoire de Bayonne, participer à de nombreux concerts dans le registre des musiques improvisées, travailler à un triptyque consacré à l’Inde, au Bassin Méditerranéen et au Pays Basque, tout en organisant un festival (Itxassou) et apporter son expérience et sa puissance aux aventures musicales de la génération émergente ? Dans son actualité discographique, « Coup de projet-cœur » sur la publication d’enregistrements publics réalisés dans le cadre des Rencontres Musicales de Casablanca : « La Cité Invisible » (NordSud Music : nordsud.music@club-internet.fr ). Pendant une résidence d’artistes à Casablanca, organisée avec l’aide de l’Association de Développement des Échange Nord Sud et de l’Institut Français, Beñat Achiary s’est entouré, en sa qualité de directeur artistique, de la chanteuse et danseuse flamenca Inès Bacàn, du chanteur, compositeur et joueur de guembri Majid Bekkas, du guitariste flamenca Pedro Soler et du percussionniste Ramon Lopez. Point de rencontre entre les cultures basque, flamenca et gnaoua, « La Cité Invisible » constitue un voyage intérieur passionnant, et par moments même, au rendez-vous de la transe, tourneboulant. Une fois n’est pas coutume, nous laisserons à son initiateur le soin d’éclairer cette quête. Néanmoins, avant de citer Beñat Achiary, rendons aussi hommage à une énergie trop tôt éteinte, sans qui ce projet n’aurait sans doute pas vu le jour : Xavier Matthyssens, critique musical et compagnon de route des troubadours de la fraternité sans frontières. « Je vois le concert comme un voyage. Un voyage au centre de nous-mêmes, là où pour que le chant s’incarne, nous tenterons de renaître dans la dépossession… Dans la lumière. Un voyage comme à travers plusieurs portes. A chacune d’entre elles espère un ami puissant. La première vibre des âmes des génies de l’Afrique (Majid Bekkas). La danse de la voix dans les rythmes savants et implacables du guembri, guide vers la seconde. La seconde où attend une voix de femme. Inès Bacàn ne chante pas, à chaque pas elle ressuscite, creusant avec sa voix, tel un sorcier de l’âme, pour que jaillisse l’eau de lumière dans le silence. La troisième dans les feux de l’amour, s’ouvre sur le vide. Terre de souffrances, le courage de vieilles et antiques routes de haute science. Le chant de méditation telle une longue route se perd et renaît dans le silence et échappe à nos yeux. Saint Jean de la Croix et les grands mystiques de l’Orient la connaissent. Là nous conduisent nos chants d’amour violents et tendres, au bout du corps, dans l’épuisement consentant des sens. Ramon Lopez avec ses peaux et ses métaux, Pedro Soler sa guitare essentielle entre ses bras, le souffle des vents seront les compagnons de notre route. » (Beñat Achiary). Pénétré par ces paroles, écouter et réécouter ce voyage dans « La Cité Invisible » transporte et emporte. A suivre !”
Philippe Schoonbrood (Jazzaround)

Claude Aufaure, Pedro Soler & Gaspar Claus
JUAN RAMON JIMENEZ – PLATERO ET MOI
Extraits mis en ambiance sonore et musicale
Editions Seghers – Sous la Lime (janvier 2009)


Cette adaptation sonore et musicale de l'œuvre de Juan Ramón Jiménez, Platero et moi, superbement traduite de l'espagnol par Claude Couffon, nous plonge dans ce que l'on ne peut appeler autrement que la condition humaine. L'auteur, au travers du dialogue entre un homme et son âne Platero, et du récit de leur "vie commune", nous conduit à la rencontre des habitants d'un petit village de l'Espagne andalouse et de leurs coutumes.


1. Platero 12. Amitié
2. Jeux à la brune 13. Ronsard
3. Le fou 14. Le puits
4. Judas 15. Les coqs
5. Le pourrissoir 16. La corrida
6. Le petit innocent 17. Allégresse
7. La terrasse 18. L'automne
8. Retour 19. Antonia
9. Liberté 20. La jument blanche
10. Les trois vieilles 21. La mort
11. Le pin de la couronne 22. A Platero dans le ciel de Moguer

Résumé
Sous la simplicité apparente de l'amitié d'un homme et de son âne, se cache la dimension franciscaine d'une réelle quête poétique, teinte de mélancolie, dans une communion intime avec les humbles, l'innocent du village, les mendiants, les pâtres, les braconniers... Sur le CD audio, l'enregistrement d'un spectacle créé au cours de l'été 2008, avec le comédien Claude Aufaure.

Quatrième de couverture
Juan Ramón Jiménez écrivit ce livre à Moguer, en Andalousie, en 1914. Il fallut cependant attendre 1956, année où l'écrivain reçut le prix Nobel, pour que ce classique de la littérature espagnole soit traduit en français par Claude Couffon et publié aux Éditions Seghers. Avec Platero et moi, que l'on a souvent comparé au Petit Prince de Saint-Exupéry, le poète espagnol nous offre un conte plein de fraîcheur dans lequel nous découvrons les charmes secrets d'un village d'Andalousie. En compagnie du petit âne Platero, le narrateur de ce récit poétique nous fait entrer en communion intime avec les humbles, les mendiants, les pâtres, les Gitans, les braconniers et les enfants du village. Platero nous entraîne dans un monde où rêves et réalité, prose et poésie se mêlent. Chemin faisant, les petits sabots de l'âne soulèvent des poussières d'étoile... Les dessins de l'artiste espagnol Baltasar Lobo ajoutent encore à la tendresse souriante du récit, auquel Jean Giono a consacré une longue étude publiée en postface. Enfin, un CD accompagne cette nouvelle édition du chef-d'oeuvre de Juan Ramón Jiménez, qui permet d'écouter l'enregistrement d'un spectacle produit par le comédien Claude Aufaure et deux musiciens : Gaspar Claus et son violoncelle espiègle, frondeur et grave, et Pedro Soler à la guitare andalouse, indomptable ou caressante.

 

Pedro Soler & Gaspar Claus
BARLANDE
Infiné Music


Pedro Soler: guitare
Gaspar Claus: violoncelle

Track 8 features Bryce Dessner & Sufjan Stevens (The National)

1. Insomnio mineral (Rondeña) / 2. Guajira borrachita (guajira) / 3. Barlande (seguiriya)
4. Caminos / 5. Caballitos de mar (alegria) / 6. Sueños indecisos (tientos)
7. Rostro descolorido (saeta) / Encuentro en Brooklyn (minera)

Recorded by Bryce Dessner @ The National studio in Brooklyn, NY. Mixed by Lawson White @ Clinton recording studios in New York, NY, and mastered by Alexis @ Globe Audio Mastering (France)


The story of “Barlande” began on a fair summer evening in Tercé, near the town of Poitiers, at the first of the InFiné Workshops in the Normandoux Quarry. Amidst the white chalk walls, a singular duo – flamenca guitar and cello – took the stage for a stringed family dialogue. A fitting analogy as the story of this record is, first and foremost, that of a father, Pedro Soler and his son, Gaspar Claus.
Born in 1938, Pedro witnessed and played a key part in the ‘Golden Age’ of flamenco. He learned guitar as he went along, and under the tutelage of Pepe de Badajoz (Antonio Chacón’s accompanist). For his disciple, Pepe placed the emphasis on intensive playing, the senses and experience. “I soon realized that my vocation was not to follow in Ramon Montoya’s footsteps but to retrace those of his predecessors”, says Pedro. He went on to perform alongside the great masters (Pepe de la Matrona, Almaden, Juan Varea, Enrique Morente) and, over the years, asserted himself as one of the primary flag-bearers of an “archaic” style of Flamenco, with the accent on dynamics and sonority rather than on “voluble and shiny” virtuosity. “For me, to express oneself within this heritage that has been passed on from generation to generation is not to yield to a reductive dogma but rather to use the rules as a guide to precision and accuracy”, Pedro adds. Despite a strong attachment to his roots, Spain and Andalusia, Pedro never turns down an opportunity to interact with instruments from other walks of musical life: Renaud Garcia-Fons’ double bass or Ravi Prasad’s Indian percussions, to name but a few. He is one of the most celebrated flamenco guitarists in the world today.
At first, Gaspar seemed to be destined for a highly successful career as a cellist. But as he reached his teenage years he decided to leave the Perpignan Conservatoire, rejecting a rather academic form of training in order to reach beyond the “non-confrontational” beauty of his instrument and expand the range of its uses. “My interest in cello lies in the textures and raw sounds it produces”, says Gaspar. So he immersed himself in a radical, unconventional new curriculum, one based on travelling, meeting people and discovery. He learned to use silence in music: maintaining it and disrupting it. His relationship with his instrument began almost to smoulder as he stroked, thumped or caressed it. He became involved with a wide variety of musical scenes, such as the avant-garde and improvised scenes in Japan (Sashiko M, Yoshihide Otomo, Keiji Haino, etc.), France (Catherine Jauniaux, Benat Achiary, Nosfell, etc.) and New York (Bryce Dessner, Sufjan Stevens, etc.) but also in electronic music (Joakim, Rone), traditional music (Mongolia, Mali, Japan…) and a host of other genres. “the great expanse that symbolises possibility has never narrowed before my eyes and my only certainty is that I do not know where I am headed”, he adds.
Several years ago, his father’s path and his own crossed again. Gaspar had grown up and, on stage, new kinds of sparks began to fly. “When he first entered into my music, not unlike a child at play, I almost immediately felt a musical kinship as if he were, albeit by different means, gaining access to the same musical landscape. This is where we found a common ground between my desire for archaic purity and Gaspar’s raw, uninhibited and fundamental approach”, says Pedro.
This reunion later led to the recording of a “Take Away Show” directed by Vincent Moon and broadcast online via La Blogothèque, which went worldwide. “We are merely beginning to discover that we belong to two vast worlds, dense but disparate, separated by time and space and yet we can build a bridge between the flamenco roots of my father’s guitar and the modern and youthful curiosity of my cello”, Gaspar adds.
And it was on that fair summer evening, at the Quarry, that the decision to record an album together materialised, after a week spent mingling with new people and rehearsing alongside the InFiné team. “I wanted this record to be released outside of the traditional flamenco circuits”, states Gaspar. The Great Divides between musical genres definitely appear to belong to another time.
After several months spent thinking about the best place and approach, the duo eventually set off for New York – Brooklyn to be precise – to hand over production duties on “Barlande” to a friend of the family, Bryce Dessner (guitarist for The National and creator of Clogs). Although the duo brought along early demos for some of the tracks, the studio sessions gave pride of place to improvisation, which were in some cases held with very special guests. Joined by Bryce Dessner on guitar and Sufjan Stevens on harmonium, one of the improvisation sessions proved to be the ideal closing track for the album: the terribly Jarmushian “Encuentro en Brooklyn”.
Over the course of its eight chapters, “Barlande” charts a powerful musical territory, both loyal to its roots and ground-breaking, making this a fundamental addition to the InFiné catalogue. “Flamenco is, in its essence, a melting pot of influences: from its prehistory in India, taking root in Andalusia and subsequent forays into the rest of the world. Improvised music – which finds its source in Cage’s indefinite experimental pieces, non-academic music, Zorn’s free jazz and, especially for me, in the work of cellist Tom Cora – plays a crucial part in what could be viewed as a second Age of Enlightenment, in a world where distances shrink and different cultures merge to form a new musical landscape”, Gaspar concludes.


First Listen: Pedro Soler and Gaspar Claus, 'Barlande'
by Tom Cole

© Marion Lefebvre

August 21, 2011
Barlande tells the musical story of a father and son: Pedro Soler and Gaspar Claus, who represent two generations separated by four decades. It combines an ancient way of playing flamenco guitar with a non-traditional approach to cello. It's music that's at once quiet and intense. It's an album of acoustic improvisations, released by a label known primarily for electronica — and produced by a man behind both a popular indie-rock band and an acclaimed classical chamber ensemble. It's remarkable.
In flamenco, the guitar is traditionally an accompaniment instrument to singers or dancers. Its role as a solo voice is a comparatively recent development. So, when you listen to Soler's playing, you hear an attention to tone color, phrasing, space; not dramatic rasgueados and lightning-fast picking — what Soler calls "shiny" virtuosity. His music is based on a very old approach to flamenco learned from some of its masters, who were forced to leave dictator Francisco Franco's Spain. Soler's childhood home of Toulouse, France, became a kind of capital-in-exile for tens of thousands of Spanish Republicans (unlike our Republicans, they were mostly liberal and leftist) in the 1930s, '40s and '50s. It was in that sad ferment that, as a teenager, Soler began to understand the meaning of flamenco.
But this is not a flamenco album, and Soler doesn't so much accompany Claus as interact with him. You're hearing a father and son talk to each other through their instruments. Listen to the way the 73-year-old Soler and his 28-year-old son listen to each other. Play off of each other. Converse across time, geography, culture, history.
Soler has said he wants to avoid the cultural restrictions imposed by the flamenco tradition while remaining true to the music and, at the same time, create something new. Claus began formal cello studies when he was 5. But after more than a decade of classical studies, he found those traditions restrictive, so he abandoned his studies — and the instrument — for five years. When he returned to the cello, Claus discovered he really knew nothing about the sounds it could produce. He learned to create growls and bird calls by bouncing and scraping his bow across the strings, and drum sounds by tapping the cello's body. The music on Barlande is almost entirely improvised.
The roots of this collaboration go back six years to a performance: Soler was accompanying an actress performing poetry and asked his son if he wanted to check them out, or maybe even bring his cello and sit in. They'd always stayed in contact — Claus says theirs is the kind of family where your parents call you twice a day. The show was a success, and eventually they collaborated on a series of videos with a friend, French filmmaker Vincent Moon, which were posted on the website La Blogotheque. The short films explore the musical and historical space on the border between France and Spain, and the lives that haunt it.
And then, finally, came the album. Barlande was produced by Bryce Dessner, guitarist with The National. The band played in 2006 at the Guitares au Palais festival in the south of France, whose music director is Pedro Soler. Dessner, who studied classical guitar at Yale and co-founded the chamber ensemble Clogs, recorded Barlande at The National's studio in Brooklyn.
The album is built on connections and contradictions that are musical, personal, geographical and cultural. It travels the world sonically and literally. Its back story draws on the experiences of thousands of people. But it comes to rest in the hands of two men — father and son — sitting and talking through music.


Pedro Soler & Gaspar Claus – Barlande
Posted On: July 18, 2011

Having each trod their own paths in very different musical spheres, the father son duo of flamenco guitarist Pedro Soler and experimental cellist Gaspar Claus recently reunited to produce Barlande, a beautiful piece of work that celebrates equally the differences and similarities of this pair. A celebrated flamenco guitarist, Soler decided early on in his training to concentrate on the ‘dynamics and sonority’ of this passionate style, rather than the emotionless virtuosity that was so prevalent in his youth. Like father like son, Claus left his cello training at Perpignan Conservatoire to explore the possibilities of the ‘textures and raw sounds’ of the instrument, becoming active in avant-garde and electronic music as well as traditional styles.
Opening with a choppy cello attack, ‘Insomnio Mineral (Rondeña)’ is a gentle introduction to the album. Intricate guitar and cello motifs weave around each other, at first in shy fragments, as though testing each other; trying out a few ideas to see what sticks. Gradually becoming more assured, the duo move on to more drawn out passages and dramatic crescendos to contrast the sparser moments. From the outset there is an intimacy to the album; the sound of Soler’s hand brushing against the guitar neck and other such incidental sounds bring you straight into the room with them.
The playful melodies of tracks such as ‘Guajira Borrachita (Guajira)’, where the cello flitters and weaves its way around Soler’s lilting guitar, feel very much like the excitable son trying to impress as his father diligently plays on. These details bring an engaging edge to the album and once again immerse the listener in this seemingly private world. Although the duo went into the studio with a few sketches of pieces, the emphasis was always on improvisation and the spontaneous nature of the sessions certainly comes across with genuine enjoyment and involvement taking place over seeming perfection.
From the intoxicatingly joyous elements of ‘Caballitos de Mar (Algeria)’ to the beautifully sparse ‘Caminos’, the duo’s technical skill never diminishes the emotional warmth of these tracks. The material becomes less bound to tradition as the album continues, with ‘Sueños Indecisos (Tientos)’ in particular showcasing Claus’ desire to escape the trappings of his classical beginnings, flitting between scratchy fragments and deep, mournful melodic lines within a split second.
Closing track ‘Encuentro en Brooklyn’ features Sufjan Stevens on harmonium and Clogs’ Bryce Dessner on guitar and provides a stunningly beautiful close. Dense swathes of electric guitar and harmonium are interrupted by Soler’s percussive playing as the cello weaves its way throughout the harmonies. At just over 9 minutes long, this track contains a wealth of textures and shows a sensitivity of playing from all involved; for a predominantly improvised piece there is a superb control of varying dynamics and it is a stand out track on this truly astounding release.
Overall an absolutely enthralling album that has only grown on me with repeated listens. Although the flamenco influence runs throughout, Barlande’s appeal goes way beyond its roots with Claus’ use of extended technique on the cello and Soler’s wide range of guitar textures making sure the duo never stay in any one place for too long. As well as merging the traditional and the modern, the work as a whole is imbued with that rarest of qualities – true musicianship and emotional warmth. – Recommended
- Katie English for Fluid Radio


PEDRO SOLER & GASPAR CLAUS: Barlande (InFiné)
By themilkman
Posted on Aug 15th 2011 01:03 am

Barlande is an extraordinary record on many levels, but one of its most fascinating aspects is that it is the meeting of a father, one of the most revered flamenco guitarists alive today, and his son, a cellist who has for most of his career favoured experimenting with other musicians rather than following a formal classical path. The project came out of the first InFiné Summer Workshop, a week-long residency curated by the label in a disused quarry near Poitiers, France, during which a host of artists, from the label as well as guests, are invited to create music on site and perform live each evening, and is released just on time to coincide with this year’s edition.
The flamenco guitar and cello are both very dramatic instruments, the former usually being played in a mixture of extremely flamboyant and delicate styles, while the sombre, earthy tones of the latter often conjure a deep sense of melancholy. Here, father and son create a wonderful soundtrack, rich in emotions and contrasts. In turn answering each other or building up toward a common ground, the pair weave intricate motifs into stunning melodies, and use their instruments as much in their musical capacities as for textural effect. The sound of a lightly brushed guitar string, of a hand on polished wood or of a bow sliding on strings can take as much importance in their tracks as chords or melodies, adding to the organic nature of the music.
While the work began in France, the album was recorded in Brooklyn, where the father and son soon ditched the early demos they had brought with them to focus on improvisations. The eight pieces presented here are all equally exquisite. At times, the restraint is such that it seems that the slightest distraction could throw the whole thing off path, as on Caminos for instance, where Soler and Claus establish such a fine balance between melancholy and melodrama, their interplay so tight as tension slowly builds up. Caballitos De Mar (Alegria) also displays some extremely refined moments half way through as the pair retreat from the more flamboyant first and last sections to reveal a more peaceful and contemplative performance, while, on Sueños Indecisos, Soler build up an extremely subtle motif over strident distortions, deep hums and wood rubs on the cello.
Elsewhere though, they opt for more sobering moods as the sombre tone of the cello draws autumnal undertones, echoed by the guitar played in the lower register. On the title track, this cohesive approach is gripping, with circling motifs continuously ebbing and flowing, contributing greatly to the poignancy of the piece. Later on, Rostro Descolorido (Saeta) reaches an entirely different level of minimalism, and here, it is Claus who contributes the bulk of the melodic part of the piece while Soler controls the pace with dry strums.
On concluding piece Encuentro En Brooklyn (Minera), the pair are joined by long term friend and guitarist with The National Bryce Dessner on electric guitar and Sufjan Stevens on harmonium. Following on from the desolate Rostro Descolorido, there is a feeling of opulence here, the harmonium especially bringing fresh tones to this record. As harmonium and cello combine to provide a backdrop for Soler, Dessner adds extremely brief and discreet sparkling touches to the piece.
The intricacies of the music and the complexity of the performance doesn’t at any point undermine the emotional scope of this record. There is an impressive level of cohesion between Pedro Soler and Gaspar Claus which goes beyond their affiliation. While Barlande is the meeting of a father and his son, it is above all the meeting of two musicians with very different outlooks who meet on a level beyond there respective work.
4.8/5

Pedro Soler & Gaspar Claus – Barlande
by Alex on 9 August, 2011
in Reviews
Whilst Barlande may be difficlut to classify in genre it has been described as having its roots in Flamenco and some ramifications of Contemporary Classical music. But any attempt to pigeon-hole this album should be ignored beyond deciding what shelf or floor to place it on in a record store. Barlande is about creativity and discovery and its story is both fasciniating and inspiring a father, Pedro Soler, and his son, Gaspar Claus have created something entirely unique.
The opening track Insomnio Mineral is a gentle begining with sparsely plucked cello before being joined by a gently sweeping flamenco guitar. What takes place from there on in is difficult to describe in words. The language between the cello and guitar become unlike anything I have heard before. The cello comes alive, a voice at times, leaping and striding in near freeform before coming back to join in mutual step and melodic interplay with guitar.
As your ears adjust and finds new comfort you are led deeper still. Barlande is a complete sensory experience. The transition between melody & interplay balance well against the deeper meanderings where there is a very raw musical depth where silences become as equally important as that of the vibrating strings. The finale, Encuentro En Brooklyn, is the improvised finale on which they are are joined by Bryce Dessner on guitar and Sufjan Stevens on harmonium.
How these two came to play is quite some story. Pedro, who was born in 1938, was a key player in the ‘Golden Age’ of Flamenco. In some ways the musical pathways of father and son bear similarity. Pedro came under the tutelage of Pepe de Badajoz (Antonio Chacón’s accompanist). He places emphasis on intensive playing, relying on the senses and experience.
I quickly realised that my vocation was not to move alongside those who followed in his footsteps [Pepe de Badajoz] but rather to retrace those of his predecessors.
He has established himself as a primary flag-bearer of an “archaic” style of Flamenco, with the accent on dynamics and sonority rather than on “voluble and shiny” virtuosity.
For me, to express oneself within this heritage that has been passed on from generation to generation is not to yield to a reductive dogma but rather to use the rules as a guide to precision and accuracy.
Despite a strong attachment to his roots, Spain and Andalusia, Pedro is an explorer and innovator. He is one of the most celebrated flamenco guitarists in the world today.
Pepe’s son, Gaspar, was also placed in the limelight from a young age with an expectation of a highly successful career as a cellist. The academic form of training he was now very use to did not follow his heart. He opted instead to reject this and to explore the beauty, texture and range of sounds the cello had to offer. So he immersed himself in a radical, unconventional new curriculum, one based on travelling, meeting people and discovery. He learned to use silence in music: maintaining it and disrupting it. His relationship with his instrument began almost to smoulder as he stroked, thumped or caressed it. He became involved with a wide variety of musical scenes, such as the avant-garde and improvised scenes in Japan (Sashiko M, Yoshihide Otomo, Keiji Haino, etc.), France (Catherine Jauniaux, Benat Achiary, Nosfell, etc.) and New York (Bryce Dessner, Sufjan Stevens, etc.) but also in electronic music (Joakim, Rone), traditional music (Mongolia, Mali, Japan…) and a host of other genres.
the great expanse that symbolises possibility has never narrowed before my eyes and my only certainty is that I do not know where I am headed…
Several years ago, they met again, having gone through his own transformation with Cello, Gasper and Pedro found a new level at which to interact. Pedro was hearing something entirely new.
When he first entered into my music, not unlike a child at play, I almost immediately felt a musical kinship as if he were, albeit by different means, gaining access to the same musical landscape. This is where we found a common ground between my desire for archaic purity and Gaspar’s raw, uninhibited and fundamental approach
This powerful musical re-union was captured on film by Vincent Moon of La Blogothèque. The decision was made soon after to release an album outside the flamenco sphere. A decison was made to make the album in Brooklyn, New York and to handover production to family friend Bryce Dessner (guitarist for The National and creator of Clogs). Joined by Bryce Dessner on guitar and Sufjan Stevens on harmonium, one of the improvisation sessions proved to be the ideal closing track for the album: the terribly Jarmushian “Encuentro en Brooklyn”.
Flamenco is, in its essence, a melting pot of influences: from its prehistory in India, taking root in Andalusia and subsequent forays into the rest of the world. I belong to a generation that has seen distances rapidly shrink, and different cultures merge to form a new musical landscape. I do not feel that i belong exclusively to any specific tradition, rather I am proud to think that I may be participating in blurring the lines between musical genres. Gasper
Barlande will be released in late August in Europe.
http://www.folkradio.co.uk/2011/08/pedro-soler-gasper-claus-barlande/

The story of “Barlande” began on a fair summer evening in Tercé, near the town of Poitiers, at the first of the InFiné Workshops in the Normandoux Quarry. Amidst the white chalk walls, a singular duo – flamenca guitar and cello – took the stage for a stringed family dialogue. A fitting analogy as the story of this record is, first and foremost, that of a father, Pedro Soler and his son, Gaspar Claus.

Born in 1938, Pedro witnessed and played a key part in the ‘Golden Age’ of flamenco. He learned guitar as he went along, and under the tutelage of Pepe de Badajoz (Antonio Chacón’s accompanist). For his disciple, Pepe placed the emphasis on intensive playing, the senses and experience. “ I quickly realised that my vocation was not to move alongside those who followed in his footsteps but rather to retrace those of his predecessors”, says Pedro. He went on to perform alongside the great masters (Pepe de la Matrona, Almaden, Juan Varea, Enrique Morente) and, over the years, asserted himself as one of the primary flag-bearers of an “archaic” style of Flamenco, with the accent on dynamics and sonority rather than on “voluble and shiny” virtuosity. “For me, to express oneself within this heritage that has been passed on from generation to generation is not to yield to a reductive dogma but rather to use the rules as a guide to precision and accuracy”, Pedro adds. Despite a strong attachment to his roots, Spain and Andalusia, Pedro never turns down an opportunity to interact with instruments from other walks of musical life: Renaud Garcia-Fons’ double bass or Ravi Prasad’s Indian percussions, to name but a few. He is one of the most celebrated flamenco guitarists in the world today.

At first, Gaspar seemed to be destined for a highly successful career as a cellist. But as he reached his teenage years he decided to leave the Perpignan Conservatoire, rejecting a rather academic form of training in order to reach beyond the “non-confrontational” beauty of his instrument and expand the range of its uses. “ My interest in cello lies in the textures and raw sounds it produces”, says Gaspar. So he immersed himself in a radical, unconventional new curriculum, one based on travelling, meeting people and discovery. He learned to use silence in music: maintaining it and disrupting it. His relationship with his instrument began almost to smoulder as he stroked, thumped or caressed it. He became involved with a wide variety of musical scenes, such as the avant-garde and improvised scenes in Japan (Sashiko M, Yoshihide Otomo, Keiji Haino, etc.), France (Catherine Jauniaux, Benat Achiary, Nosfell, etc.) and New York (Bryce Dessner, Sufjan Stevens, etc.) but also in electronic music (Joakim, Rone), traditional music (Mongolia, Mali, Japan…) and a host of other genres. “the great expanse that symbolises possibility has never narrowed before my eyes and my only certainty is that I do not know where I am headed”, he adds.

Several years ago, his father’s path and his own crossed again. Gaspar had grown up and, on stage, new kinds of sparks began to fly. “ When he first entered into my music, not unlike a child at play, I almost immediately felt a musical kinship as if he were, albeit by different means, gaining access to the same musical landscape. This is where we found a common ground between my desire for archaic purity and Gaspar’s raw, uninhibited and fundamental approach”, says Pedro.

This reunion later led to the recording of a “ Take Away Show” directed by Vincent Moon and broadcast online via La Blogothèque, which went worldwide. “We are merely beginning to discover that we belong to two vast worlds, dense but disparate, separated by time and space and yet we can build a bridge between the flamenco roots of my father’s guitar and the modern and youthful curiosity of my cello”, Gaspar adds.

And it was on that fair summer evening, at the Quarry, that the decision to record an album together materialised, after a week spent mingling with new people and rehearsing alongside the InFiné team. “ I wanted this record to be released outside of the traditional flamenco circuits”, states Gaspar. The Great Divides between musical genres definitely appear to belong to another time.

After several months spent thinking about the best place and approach, the duo eventually set off for New York – Brooklyn to be precise – to hand over production duties on “Barlande” to a friend of the family, Bryce Dessner (guitarist for The National and creator of Clogs). Although the duo brought along early demos for some of the tracks, the studio sessions gave pride of place to improvisation, which were in some cases held with very special guests. Joined by Bryce Dessner on guitar and Sufjan Stevens on harmonium, one of the improvisation sessions proved to be the ideal closing track for the album: the terribly Jarmushian “Encuentro en Brooklyn”.

Over the course of its eight chapters, “Barlande” charts a powerful musical territory, both loyal to its roots and ground-breaking, making this a fundamental addition to the InFiné catalogue. “ Flamenco is, in its essence, a melting pot of influences: from its prehistory in India, taking root in Andalusia and subsequent forays into the rest of the world. I belong to a generation that has seen distances rapidly shrink, and different cultures merge to form a new musical landscape. I do not feel that i belong exclusively to any specific tradition, rather I am proud to think that I may be participating in blurring the lines between musical genres.” Gaspar concludes.

http://www.blogotheque.net/2012/04/12/pedro-soler-et-gaspar-claus/

La Blogotheque presents: Gaspar Claus & Pedro Soler | Rondena | Live at La Gaité Lyrique
"Ce qui se passait là, c’était le même jeu délicieux entre deux instruments, le sage et l’impétueux, la rythmique sûre d’elle, la mélodie qui a tant à dire. C’était le même jeu entre le père et le fils, qui se regardaient plus que de raison, semblaient bien souvent n’être là l’un que pour l’autre. Ce fils qui souriait embarrassé lorsque son père parlait trop entre les morceaux. On est toujours un peu trop fier de son fils, on est toujours un peu embarrassé par son père. Il y avait du lien cette après-midi là."
Directed by Colin Solal Cardo
Edit by Clémentine Decremps
Sound & Mix by Julien Sanchez
Images by Sebastien Cros, David Ctiborsky, Bertrand Lanthiez & Anousonne Savanchomkeo

http://www.blogotheque.net/2008/07/07/gaspar-claus-et-pedro-soler/

© Maike Zimmermann

 

PEDRO SOLER & PHILIPPE MOURATOGLOU 
"Rumores de la caleta, Albéniz & le flamenco"
Label: Vision Fugitive

Pedro Soler: guitare flamenco
Philippe Mouratoglou: guitare classique

Malagueña (Espana, Op.165) - Bulerias & Malagueñas / Córdoba (Cantos De Espana, Op.232) - Soleares / Tango (Espana, Op.165) - Tango Flamenco / Sevilla (Suite Espagnole Op.47) - Sevillanas / Cuba (Suite Espagnole Op.47) - Guajiras / Rumores De La Caleta (Recuerdos De Viaje Op.71) - Fandangos / Asturias (Leyenda) (Suite Espagnole Op.47) - Granaïnas

Pedro Soler, Gérard de Haro, directeur/ingénieur de son et Philippe Mouratoglou en séance d'enregistrement de leur disque en duo, aux studios La Buissonne, décembre 2013 © VisionFugitive Lab 

L'oeuvre d'Isaac Albéniz (1860-1909) s'inspire profondément de la musique populaire: Suite espagnole, Iberia, Recuerdos de Viaje, Cantos de España...Alors qu'il composait pour le piano dans le plus grand respect des formes originales - sevillanas, malagueñas, bulerias - son style est de toute évidence influencé par les couleurs spécifiques de la guitare. Dialoguant autour de son œuvre, les guitaristes Pedro Soler et Philippe Mouratoglou révèlent la parenté essentielle entre le langage musical du compositeur et celui des flamenquistes. Le premier, né en 1938, a été formé auprès des maîtres de l'âge d'or du flamenco, dont l'art était proche de ce qu'a pu entendre Albéniz. Le second, musicien au répertoire très étendu, a fait de l'œuvre pour piano du maître espagnol une transcription pour guitare aussi originale que rigoureuse. Ensemble, ils dévoilent un cante primitif mêlant passion et retenue. Une guitare à quatre mains élégante, féconde et poétique.


Albéniz et le Flamenco

« Rumores de la Caleta »

Né de la rencontre entre Philippe Mouratoglou et Pedro Soler, le spectacle« Rumores de la Caleta » est un dialogue entre deux puristes de la guitare classique pour l’un, flamenca pour l’autre –aux parcours très différents. « Rumores de la Caleta » est l’extrait le plus connu de Recuerdos de Viaje op 71 (1887) d’Isaac Albéniz, inspiré par la musique populaire espagnole et notamment le flamenco. Certaines de ses suites semblent avoir été composées pour et à la guitare alors qu’Albéniz composait au piano dans le plus grand respect des formes originales (sevillanas, malaguenas, bulerias…) Ce sont paradoxalement les transcriptions pour la guitare par Francisco Tarrega qui l’ont rendu célèbre. Philippe Mouratoglou a fait à son tour une transcription rigoureuse de l’œuvre d’Albéniz. Rigueur et talent caractérisent l’approche et le jeu de ces deux maîtres de la guitare. Leurs cultures et leurs styles se révèlent formidablement complémentaires. Avec « Rumores de la Caleta » ils partagent, communient et leur bonheur sur scène est communicatif.

Philippe Mouratoglou a toutes les cordes à son arc. Formé par Pablo Marquez, Wim Hoogewerf et Roland Dyens, il manie avec autant de bonheur et de dextérité la guitare classique que la guitare folk 6 ou 12 cordes et la guitare électrique. Ce formidable éclectisme lui a permis d’aborder tous les genres musicaux et, partant, de s’offrir des rencontres et des aventures musicales particulièrement enrichissantes. Avide d’expériences, il est passé par le baroque, les musiques d’Amérique Latine et d’Espagne et s’est même permis de pratiquer l’improvisation et le chant à travers ses propres arrangements d’œuvres d’Egberto Gismondi et d’Ornette Coleman… Il se frotte à tous les styles : la création contemporaine, avec les ensembles Linea et Alma Viva, le répertoire symphonique, avec l’Orchestre Philharmonique de Strasbourg et l’Opéra du Rhin, les musiques traditionnelles, avec Bernard Revel et l’ensemble Convivencia, et même le blues en revisitant au chant et à la guitare le répertoire du légendaire Robert Johnson… En 2005, il a enregistré O Gloriosa Domina, un CD parcourant cinq siècles de musique espagnole. En 2009, au 43è Festival de La Chaise-Dieu, il a créé un projet autour de John Dowland et Benjamin Britten avec son trio So Full Of Shapes. Il a également travaillé avec le guitariste Bernard Struber, la soprano Ariane Wohluter et le contre-ténor Léandro Marziotte… Régulièrement invité en tant que soliste et chambriste dans de nombreux festivals à travers le monde, sa folle générosité ne pouvait inévitablement que l’amener à se consacrer à la transmission. Pendant six saisons, il a été l’assistant de Pablo Marquez au Conservatoire National de Région de Strasbourg avant d’enseigner la guitare et la basse électrique aux élèves comédiens, régisseurs et scénographes du Théâtre National de la capitale alsacienne

Pedro Soler & Philippe Mouratoglou accompanied by Leslie Kraus | A Take Away Show. Filmed in New York on March 3rd, 2015

Directed by Derrick Belcham
Produced by Chryde and Matthieu Buchsenschutz

 

Mercredi 9 juillet 2014 à 20h

Présentation du livre Nouba en présence de l'auteur Michèle Bayar accompagnée de Pedro Soler et du journaliste Victor Simal.
Dédicace de l'auteur le 9 juillet à partir de 20h à l'Hôtel et vente de livre (stand présent tous les soirs du mercredi au samedi inclus).

Nouba, un roman qui s’inspire de la musique de tradition arabo-andalouse, qui se compose de parties appelées “ tours”, une des racines musicale du Flamenco. Le livre offre un extrait de "La cité invisible" concert qui réunit Pedro Soler et Inés Bacan entre autres (extrait qu'on entend sur un portable en flashant le code QR).

Ça sera l’occasion de rendre hommage à la parenté entre les deux styles et traditions musicales avec ce soir là la présentation d’un morceau de Pedro Soler pour inaugurer l’ouverture de la bodéga qui animera la semaine de flamenco au Belvédère.

Plus d'information sur le blog de Michèle Bayar

http://www.bayar-michele.com/

 

avec Aurora & Enrique Morente - photo archives Pedro Soler

Avec Raúl Barboza - photo archives Pedro Soler

avec Beñat Achiary, Concertgebouw Brugge le 26/12/2008 ©  Stefe Jiroflée

Paco de Lucia & Pedro Soler © Pedro Soler

Pedro Soler avec Ines Bacan © Collection Pedro Soler

Pedro Soler en belle compagnie © Collection  Pedro Soler

Pedro avec Ines Bacan au studio à Barcelone, 27/01/2015 © Collection Pedro Soler

ENREGISTREMENT DE DEUX NOUVELLES CD'S:

Gaspar Claus prépare deux disques avec son père, et ses deux assistants: le 27/01/2015 à Barcelone, on commence à enregistrer en Trio avec Inès BACAN . Dans deux semaines, à Reikjavick ils enregistrent leur second album en duo.

"De passage à Barcelone pour l’enregistrement du disque de ce programme, Inès BACAN a accepté de donner un concert unique le 6/6/2015 avec Pedro SOLER (guitare) et Gaspar CLAUS (violoncelle) dans les caves de vieillissement du Mas Baux auxquelles les immenses cuves donnent des allures de cathédrale.

Inès BACAN est reconnue par ses pairs par la critique et par le public comme la voix la plus profonde du FLAMENCO. " Inès Bacan, un chant qui ne s'est jamais contaminé. " (ABC Sevilla) . Une rencontre inéluctable de celle que le journal ABC de Sevilla appelle "La chanteuse d'Altamira "(Équivalent de notre Lascaux) et "qui a mis debout le public de la biennale de Sevilla par l'authenticité de son chant " ( Correo de Andalucia 17 sept 2014) avec Pedro SOLER dont le "FLAMENCO précis, exigeant, envoûtant" (le Monde de la Musique ) est "presque primitif, archaïque" (El Pais) et avec Gaspar CLAUS et son violoncelle expérimental "aux portes du flamenco, mais au delà surtout " ( TELERAMA ).

Ils nous offrent un concert d'un souffle puissant, les deux musiciens n'ayant d'autre objectif que de mettre en évidence, de soutenir le chant tellurique de Inès BACAN dans une unité remarquable. Inès se risque dans des styles ( palos ) qu'elle enregistre pour la première fois comme la " serrana y liviana primitiva " ou la " granaïna" dont elle fait un chant profond ( cante jondo) ,la"nana " ( berceuse ) et le chant por "tiento" qui évoque la déportation des gitans, écrits par son fils José Bacan.
Apres un concert d'Inès BACAN et Pedro SOLER à la Philharmonie de Berlin, le Rheinischer Merkur a écrit:"On ne peut pas s'approcher plus près de cette musique archaïque sans bruler totalement."

En attendant du disque … une belle occasion d’écouter leur musique extraordinaire.

En route pour l'enregistrement du second album en duo avec Gaspar Claus 
© Collection Pedro Soler

Pedro en Islande © Collection Pedro Soler

Clara Claus & Pedro à New York mars 2015 
© Collection Pedro Soler

© Clara Claus

 

Bryce Dessner and Clara Claus perform the unreleased song "Lines & Drones" at Littlefield, Brooklyn, April 20th 2012, as part of Gaspar Claus' new musical project, "One Night Stand #1"

It has been exclusively released via a crowdfunding campaign on Microculture as part of a super limited edition double vinyl LP which also features songs from Sufjan Stevens, Pedro Soler, Jessie Stein (The Luyas), David Moore (Bing and Ruth), Rémi Alexandre (Shorebilly), Ben Greenberg (The Men/Hubble/Uniform/The Zs), Jessica and Andy (She Keeps Bees), Emil Bognar-Nasdor (Dawn of Humans), Mauro Remiddi (Porcelain Raft) and Gaspar Claus.

Directed by Derrick Belcham

Sufjan Stevens, Bryce Dessner de The National, The Luyas, Bing and Ruth, The Zz, She Keeps Bees, Porcelain Raft et bien d’autres, un double-vinyle édition ultra limitée, que demander de plus ?

Il y a des obsédés de l’action, des compulsifs du travail, des acharnés des heures sup. Gaspar Claus est plus actif qu’eux tous. Violoncelliste surdoué, entremetteur musical, auteur d’un nombre étourdissant de collaborations (Jim O’Rourke, Sufjan Stevens, Serge Teyssot-Gay, Bryce Dessner, Barbara Carlotti, Peter Von Poehl, Rone chez nous récemment avec Frànçois de Frànçois & The Atlas Mountains…), futur patron de label, programmateur, instigateur du Festival Permanent, créateur d’œuvres en tous genres (dont une pour le festival Radio France en juillet) et homme de grands chantiers capable d’aussi bien manier l’archer de son instrument que ceux d’un jardinier – à l’heure où on écrit ces lignes, le jeune homme est “en train de bêcher” nous dit-il.

Gaspar Claus semble infatigable donc, tant le nombre de ses projets dépasse l’entendement. Son dernier en date est d’ailleurs d’une ambition folle, un tentative trop rare de remettre la collaboration et les beaux objets au centre de la création musicale, rendue possible par un fait tout simple : au-delà de sa fascinante détermination, Gaspar a beaucoup d’amis aussi talentueux que lui. Beaucoup, beaucoup d’amis.

En 2012, Gaspar Claus a donc réuni une partie de ses amis dans une salle de Brooklyn, pour une nuit, avec une consigne : chacun devait apporter un morceau, une mélodie, un projet de titre incomplet sur lequel les autres musiciens présents pouvaient se greffer s’ils le souhaitaient. Une nuit de collaboration intense, d’échanges, entre des gens que l’on aime très fort : Sufjan Stevens, Bryce Dessner de The National, Jessie Stein de The Luyas, David Moore de Bing and Ruth, Rémi Alexandre de Syd Matters et Shorebilly, Ben Greenberg de The Zs/The Men/Hubble/Uniform, Jessica et Andy de She Keeps Bees, Emil Bognar-Nasdor de Dawn of Humans, Mauro Remiddi de Porcelain Raft, Pedro Soler, le père de Gaspar, sa sœur plasticienne, Clara Claus, et Gaspar lui-même.

De cette rencontre au sommet est ressorti un enregistrement de concert de 70 minutes, filmé en parallèle par les soins de notre réalisateur new-yorkais Derrick Belcham, et gardé précieusement par Gaspar jusqu’à présent.

Onze morceaux aux genres et influences très (très) variés – du blues, de la noise, du flamenco, de la pop jusqu’à l’impro pure – que Gaspar a décidé aujourd’hui de partager avec nous sous la plus belle forme qui soit : un double-vinyle édition limitée disponible uniquement pendant les six semaines que durera la campagne de crowdfunding Microcultures qui servira à financer sa création.

Jusqu’au 30 juin seulement, vous pouviez vous rendre sur la page de One Night Stand, le nom bien trouvé de ce chouette projet, et vous offrir le double-vinyle ou sa version ultra-limité comprenant une incrustation d’un fragment de l’œuvre de Clara (une partition créée pendant la soirée et inspirée du concert), une de ses sérigraphies numérotée et signée, un paquet de goodies, un concert privé d’Emil Bognar-Nasdor, de Pedro Soler, de Gaspar ou de ces deux derniers en duo, les fichiers audio en haute qualité du live, ou une place pour la prochaine One Night Stand.

Car One Night Stand n’est pas vraiment un coup d’un soir : inépuisable, Gaspar a en tête de renouveler l’expérience dans plusieurs villes du monde – Paris, Londres, Berlin, Tokyo, Johannesburg, São Paolo, Reykjavík, La Nouvelle Orléans ou Athènes (on vous l’a dit, le garçon voit tout en grand) – et d’ainsi réunir la fine fleur de la scène musicale locale pour créer un album unique et éphémère avant de passer à la prochaine édition.

Gaspar Claus : cello
Bryce Dessner : guitar
Ben Greenberg : guitar
David Moore : piano
Pedro Soler : guitar
Sufjan Stevens : machines

UN DOUBLE LP - 11 MORCEAUX ORIGINAUX:

1. She Keeps Bees - "It is what it is"
     Remi Alexandre (bass), Emil Bognar-Nasdor (voice & tape machine), Gaspar Claus (cello), Bryce Dessner, Ben Greenberg and Pedro Soler (guitars),
     David Moore (piano), Andy LaPlant (drums), Jessica Larrabee (guitar & voice), Jessie Stein (moodswinger), and Sufjan Steven (machines)
2. Ben Grenberg - "In D"
     Gaspar Claus (cello), Bryce Dessner and BenGreenberg (guitars), and David Moore (piano)
3. Sufjan Stevens - "Harsh Noise"
     Emil Bognar-Nasdor (voice & tape machine), Gaspar Claus (cello), and Sufjan Steven (machines)
4. Jessie Stein (The Luyas) - "The Quiet Way"
     Gaspar Claus (cello), David Moore (piano), and Sufjan Steven (machines)
5. Pedro Soler - « Tarantas"
     Remi Alexandre (bass), Emil Bognar-Nasdor (voice & tape machine), Gaspar Claus (cello), Bryce Dessner, Ben Greenberg and Pedro Soler (guitars),
     David Moore (piano), Andy LaPlant (drums), Jessica Larrabee (guitar & voice), Jessie Stein (moodswinger), and Sufjan Steven (machines)
6. Gaspar Claus - "Birth & Death of A."
     Remi Alexandre (bass), Emil Bognar-Nasdor (voice & tape machine), Gaspar Claus (cello), Bryce Dessner, Ben Greenberg and Pedro Soler (guitars),
     David Moore (piano), Andy LaPlant (drums), Jessica Larrabee (guitar & voice), Jessie Stein (moodswinger), and Sufjan Steven (machines)
7. Remi Alexandre (Shorebilly/Syd Matters) - "L'arbre Rouge"
     Remi Alexandre (bass), Gaspar Claus (cello), Bryce Dessner and Ben Greenberg (guitars), David Moore (piano), Andy LaPlant (drums),
     Jessica Larrabee (guitar & voice), and Jessie Stein (moodswinger)
8. David Moore - "Strange Winds"
     Gaspar Claus (cello), David Moore (piano), and Jessie Stein (moodswinger)
9. Bryce Dessner (The National) & Clara Claus - "Lines & Drones"
     Gaspar Claus (cello), Bryce Dessner, Ben Greenberg and Pedro Soler (guitars), David Moore (piano), and Sufjan Steven (machines)
10. Mauro Remiddi (Porcelain Raft) - "Talk to me"
     Remi Alexandre (bass), Emil Bognar-Nasdor (voice & tape machine), Gaspar Claus (cello), Bryce Dessner, Ben Greenberg and Pedro Soler (guitars),
     David Moore (piano), Andy LaPlant (drums), Jessica Larrabee (guitar & voice), Jessie Stein (moodswinger), and Sufjan Steven (machines)

11. Emil Bognar Nasdor - "Blind, deaf & un-numb"
     Remi Alexandre (bass), Emil Bognar-Nasdor (voice & tape machine), Gaspar Claus (cello), Bryce Dessner, Ben Greenberg and Pedro Soler (guitars),
     David Moore (piano), Andy LaPlant (drums), Jessica Larrabee (guitar & voice), Jessie Stein (moodswinger), and Sufjan Steven (machines)

Mixed by KRIKOR
Masterised by BENJAMIN KIMBERT from BUDILOSCOPE in Paris, France
Produced by GASPAR CLAUS for the PERMANENT FESTIVAL with the help of ANNE BECKER
Original art by CLARA CLAUS
LIMITED EDITION ON 500 ex, 40 including original score and 60 including silk screen print, numbered and signed by CLARA CLAUS (3 different silk screen prints)

One Night Stand is now released on all digital platforms. You finally are invited to listen to the whole album, for those who didn't buy the Limited LP.

Please find it on ITunes :
https://itunes.apple.com/…/one-night-stand-by-…/id1110781977

On Spotify :
https://open.spotify.com/album/35jGmxSkqbibQNLCKYr5Sz

On Deezer :
http://www.deezer.com/album/13024532

 

 

PEDRO SOLER + GASPAR CLAUS
Al Viento

Label: InFiné (Sortie : 15 avril 2016)

En 2011, le violoncelliste Gaspar Claus emmène son père, le guitariste de Flamenco Pedro Soler, à New-York. Tous les deux y enregistrent « Barlande » sous la houlette de Bryce Dessner (membre de The National, compositeur). A la source de ce voyage, il y a le désir légitime de croiser le fer avec papa, de tendre une main à travers les générations mais surtout cette intuition géniale qu’en déplaçant le geste fondamentalement rural et la poétique immémoriale de son père dans le brouhaha d’un continent jeune, il trouvera peut-être matière à éclairer ce qui unit sa propre pratique des musiques dites libres et nouvelles à celle en apparence plus archaïque, de son paternel. Bien vu: l’Amérique qu’on peut considérer comme l’un des grands berceaux de la modernité, résonne de spectres (Charles Ives, le Jazz et le Minimalisme, le Rock’n’Roll le plus juteux…) qui couvent depuis toujours sans savoir et bien qu’autrement formulés, dans la rage savante du Flamenco.

Le moins qu’on puisse dire, c’est que c’est opérant: la presse acclame ce disque de flamenco contemplatif où tout est lumineux, émouvant, aussi serein que turbulent et le public est au rendez­vous de concerts dont le lyrisme contenu, la virtuosité, la pudeur et l’entente quasi télépathique des deux musiciens effacent les frontières, annulent les clivages et bouleversent durablement l’auditeur.

On a beaucoup célébré cette collaboration comme la rencontre réussie de deux genres antagonistes mais c’est bien plutôt cet intransigeant rappel que bat ici le duo: le Flamenco est moins un vocabulaire codifié qu’un usage nomade du monde et des passions.

Leur nouvel album « Al Viento », ébauché en terres islandaises, au studio Greenhouse en compagnie de Valgeir Sigurösson, puis terminé en Espagne avec Didier Richard enfonce le clou. Belle idée encore une fois que d’aller traquer sur un territoire ancestral, de glace et de feu, ce qui pourrait résonner avec l’osseuse et solaire Andalousie primitive (reformulation simple comme bonjour de cet adage indiscutable que, toujours, les extrêmes se touchent).

Se choisissant comme sainte patronne le personnage de la Petenera, « figure maudite de l’Andalousie, qui a inspiré Federico García Lorca et effraye encore les anciens, semeuse de chaos, parce que son amour, trop pur, fut blessé », les deux contrebandiers convient à leur fête sanglante le chanteur Matt Elliot à venir psalmodier sur un titre tandis que le guitariste Serge Teyssot-Gay y remet discrètement une couche de textures ombrageuses et de distorsions radioactives entre les lignes stridentes, les dissonances, percussions et glissandi vertigineux que Gaspar tire d’un violoncelle hanté par les voix des plus terribles cantaores (qu’il convoque plus qu’il ne s’y substitue). Danses folkloriques, airs traditionnels, sont réinvestis d’un bout à l’autre de compositions plus furieuses, plus coupantes que « Barlande » ne le laissait entrevoir.

Et le Flamenco de nous apparaitre, une fois de plus, à nous qui n’y connaissions pas grand-chose, comme une éclatante musique d’arrachement et de science obscure, dont la douleur exprimée comme un éboulis d’équations impossibles galvanise et se retourne en joie féroce, dans la fureur du bois martelé, dans le grondement des cordes et la gestion des silences, dans la rythmique du sang, l’audace harmonique et le bruyant amour de se tenir debout. Les soupirs, emportements, fléchissements, élisions et surgissements de vacarme dont le violoncelle de Claus croche la matière paternelle mettent à jour une fois de mieux cette improbable et pourtant minérale vérité: ces deux-là, le père et le fils, s’ils ne jouaient depuis le début tout à fait la même musique, peignaient en tout cas le même paysage.

source: http://obviously.fr/

Tracklist

1. Cuerdas Al Viento (Por Malagueña)
2. Vendaval (Por Buleria)
3. Corazόn De Plata (Por Granaïnas)
4. Sale La Aurora (Por Serrana)
5. Rocío Y Corrales (Por Sevillanas)
6. Silencio Ondulado (Por Tientos) feat. Serge Teyssot-Gay & Matt Elliott
7. Cien Enamorados (Por Petenera)
8. El Sueño De La Petenera

à lire:

http://www.flamencoweb.fr/spip/spip.php?article581
http://next.liberation.fr/musique/2016/04/18/al-viento-flamenco-en-famille_1447037

 

PEDRO SOLER, INES BACÁN & GASPAR CLAUS
Serrana

Label: Le Festival Permanent (Sortie : 03 février 2017)

Après 2 disques en commun, Gaspar Claus et Pedro Soler s’associent à Inés Bacan, l’une des plus grandes chanteuses actuelles de flamenco, pour un disque incandescent qui retourne aux sources de cet art ancestral.


Barcelona, Vertigo Studios, 30/01/2015 (photo courtesy Pedro Soler)

Née en 1952 à Lebrija, Inès Bacan, arrière-petite-fille du légendaire Pinini et soeur du défunt guitariste Pedro Bacán, a grandi entourée de maîtres de chant. Mais elle n’a commencé à chanter publiquement qu’à l’âge de 38 ans. "Dans ma famille, si tu ne chantais pas bien ou si tu n’étais pas gracieux, personne ne te prêtait la moindre attention. Et moi je n’étais pas gracieuse." Pour cela, ou parce qu’elle considère le chant comme "une longue conversation avec moi-même, que parfois d’autres peuvent comprendre", Inés se tait. Un soir de fête, après trente-huit années de silence, elle délivre un chant por solea qui laisse toute la famille stupéfaite.

Lancée par feu son frère Pedro Bacan, la carrière d'Inés prend son envol un soir de 1992 au Festival d’Avignon. De Göteborg à New York, en passant par Casablanca, elle se produit par la suite dans des manifestations internationales majeures. Ses disques sont primés. On la trouve aux côtés des plus grands artistes de flamenco.

Inès Bacan est reconnue par ses pairs par la critique et par le public comme la voix la plus profonde du flamenco. "Ines Bacan, un chant qui ne s'est jamais contaminé." (ABC Sevilla). Cet enregistrement cristallise une rencontre inéluctable de celle que le journal ABC de Sevilla appelle “La chanteuse d'Altamira" (équivalent de notre Lascaux) et "qui a mis debout le public de la biennale de Sevilla par l'authenticité de son chant" (Correo de Andalucia 17 sept 2014) avec Pedro Soler dont le "flamenco précis, exigeant, envoûtant" (Le monde de la musique ) est "presque primitif, archaïque" (El Pais) et avec Gaspar Claus et son violoncelle expérimental "aux portes du flamenco, mais au delà surtout” (Telerama ) Ils nous offrent un disque d'un souffle puissant ,les deux musiciens n'ayant d'autre objectif que de mettre en évidence, de soutenir le chant tellurique de Inès Bacan dans une unité remarquable.

Inès se risque dans des styles (palos) qu'elle enregistre pour la première fois comme la "Serrana y Liviana primitiva" ou la "Granaïna" dont elle fait un chant profond (cante jondo), la "nana" ( berceuse ) et le chant “por tiento” qui évoque la déportation des gitans, écrits par son fils José Bacan.

Un enregistrement qui rejoint le disque mythique de Pedro Soler enregistré en 1963 au "Chant du Monde" avec Pepe de la Matrona, El niño de Almaden et La Joselito. Après un concert d'Inès Bacan et Pedro Soler à la Philharmonie de Berlin, le Rheinischer Merkur a écrit: "On ne peut pas s'approcher plus près de cette musique archaïque sans brûler totalement."

Inés Bacan - chant
Pedro Soler - guitare
Gaspar Claus - violoncelle

Tracklist:

1. Luz De Luna
2. Vienen Bajando (Serrana)
3. Ay, Mi Muchacho (Taranto)
4. Morita Y Caballero (Romance Corrido)
5. Ojitos Negros (Bambera)
6. Aquellos Trene (Tientos)
7. Aquella Casita Blanca (Fandangos)
8. Nana Del Mar (Nana)
9. A. Bastian (Seguiriya)


Avec Didier Richard et Lorenzo Ruiz à Barcelona, au Vertigo Studios, 30/01/2015 (photo courtesy Pedro Soler)

 

 

VARIOUS ARTISTS
Crate Diggers Around the World (Let's Travel Through Afrobeat, Oriental Sounds, Zouk, Dub & Many More)

Label: IDOL (c) 2016

MP3 compilation (seen on Spotify)

Track 10. Pedro Soler & Gaspar Claus – Cuerdas Al Viento (Por Malagueña)

 

ANNE ALVARO et FRANÇOIS MARTHOURET avec PEDRO SOLER à la guitare lisent la correspondance de Walter Benjamin
Walter Benjamin est mort le 26 septembre 1940 à Port-Bou en fuyant le fascisme. Pour les 75 ans de sa mort ...
La correspondance d'exil de Walter Benjamin s'inscrit de façon effrayante dans l'actualité dramatique de ces derniers jours. L'histoire est donc condamnée à la répétition ....

 

 

Dimanche, le 6 décembre 2015 à 17h à l'église de Palau-del-Vidre (66690) entre Perpignan et Banyuls et près d'Elne : un concert de bienfaisance franco-indien organisé par l'Association "Agir pour Bénarès" qui fête ses 10 ans d'existence. Vont jouer pour la 1e fois ensemble Pedro Soler à la guitare flamenca et Rishab Prasanna à la flûte bansuri (= flûte traversiaire en bambou).
La réputation de Pedro Soler n'est plus à faire dans la région mais Rishab Prasanna est peut-être encore un inconnu et pourtant il s'agit d'un des meilleurs flûtistes de la jeune génération. Il est originaire de Bénarès, flûtiste de génération en génération et un merveilleux représentant de la musique hindustani (du Nord de l'Inde) et il se fait un plaisir de se joindre à Pedro Soler et à ce projet humanitaire. 

Ce dialogue entre la guitare flamenca de Pedro Soler et la flûte de Rishad Prasanna qui arrive de Benares renoue le fil ancestral qui relie le flamenco à la musique de l’Inde qui en est la source principale. Parties depuis longtemps du Rajasthan, des familles nomades se fixent au 15ème siècle en Andalousie et ces gitans seront à l’origine du flamenco. C’est ainsi que tout naturellement la flûte indienne de Rishad Prasanna trouve en la guitare de Pedro Soler une réponse évidente. Les ragas du soir, ceux du matin, les Srushti, profonds et mystiques, répondent aux Granainas et aux Serranas, chants profonds où la médiation se mêle aux éclats dignes d’une Térèse d’Avila.

 

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